Стокгольм. Национальный музей. Часть 3-ая

Монограммист. И. С. (годы актив. 1645 - 1658)

"Мужчина с наростом на носу". 1645 г. Мужчина на картине, вероятно, страдал ринофимой, кожным заболеванием, при котором нос деформируется и приобретает красно-фиолетовый цвет. Монограммист И.С., возможно, не родился в Нидерландах, но, должно быть, какое-то время работал там и познакомился с голландским искусством. Тонкие, почти незаметные мазки кисти и далеко идущий реализм — черты, очень напоминающие работы молодого Рембрандта и других художников в Лейдене 1630-х годов.

Монограммист. И. С. (годы актив. 1645 - 1658)

"Пожилая женщина". Около 1645 г. За образом старушки в красной шапке и пальто с меховым воротником о художнице почти ничего не известно. Художник работал с начала 1630-х до конца 1650-х годов и подписывал свои работы монограммой, состоящей из букв I и S. Многие из них представляют собой, как в данном случае, трони, этюды характерных голов с подробными наблюдениями черт лица и одежда.

Неизвестный художник

Карл I (1600–1649), король Англии, женился на Генриетте Марии Французской. Анаморфоза со свободным цилиндрическим зеркалом. В анаморфозе художник работает с искаженной перспективой. Чтобы понять, его нужно увидеть под определенным углом или в специальном зеркале. Карл I и Карл II были изображены по обе стороны деревянной панели. На портретах обозначены исторические судьбы двух королей; свергнутый отец изображен с черепом, а сын, восстановивший британскую монархию, — с крестообразной державой. Символы также показывают, где следует разместить цилиндрическое зеркало.

Неизвестный художник

Другая сторона деревянной панели. Ничего подобного ранее не видел!..

Йохан Клоппер (1670 - 1734)

"Обманка". Trompe l'œil означает «обмануть глаз». С помощью живописи-иллюзии художник хочет сделать практически невозможным различие между нарисованными и реальными объектами, создавая своего рода виртуальную реальность. Он требует чрезвычайно тонких мазков и знания перспективы, и часто ему не хватает рамки или подписи. Но раскрытие информации так же важно, как и обман. Иначе мы бы не увидели, насколько мастеровит художник! На небольшом автопортрете мы видим самого Клоппера – картину в картине.

Давид Клёкер Эренстраль (1628 - 1698)

"Придворный шут Хинрик Хазенберг". 1652 г. Хинрик Хазенбергер был дураком Карла Густава Врангеля. На портрете Хазенбергеру в шутку изображен герб, на котором заяц намекает на его имя, как если бы он был дворянином. На столе лежит кляп, а шут жестикулирует руками. Художник Эренстраль был вывезен Врангелем в Швецию. Это одна из его ранних работ на новой родине.

Мартин Мийтенс (1648 - 1736)

"Купец Питер фон Бреда (1638 - 1717)". И художник, и модель происходили из активно работающих во всем мире семей с корнями в Нидерландах. В Стокгольме оба принадлежали к кругу оседлых купцов и художников. Сын оптовика фон Бреды Лукас со временем стал учеником художника Мартина Мийтенса. На картине Питер фон Бреда помещен в овальную каменную раму. Композиция должна создавать иллюзию глубины и впечатление, будто модель видна через проем в здании.

Корнелис Пиколе (1626 - 1679)

"Понтус Фредрик Де ла Гарди, 1630–1692, граф, барон, советник, генерал-губернатор, президент, женат на графине Беате Элизабет фон Кенигсмарк". Около 1650 г. Граф Понтус Фредрик Де ла Гарди одет в причудливые доспехи. Вероятно, это костюм, который он носил на одном из многочисленных маскарадов или рыцарских игр, организованных при дворе Стокгольма, где его брат Магнус Габриэль был одним из фаворитов королевы Кристины. Загадочные символы на щите трудно интерпретировать. Лавровый венок и череп должны указывать на достоинства щитоносца, пережившего смерть.

Давид Клёкер Эренстраль (1628 - 1698)

"Две маленькие собаки". Изображали не только людей. Здесь мы видим двух играющих карликовых спаниелей, принадлежавших Хедвиг Элеоноре. Порода пользовалась популярностью при дворе и знати. Собаки смотрят на нас живым взглядом. Придворному художнику Эренстралю часто поручали портреты любимых собак вдовствующей королевы и различные портреты животных для ее сына Карла XI. «Слишком часто», — думал он про себя.

Дэвид Винкбонс (1576 - 1631)

"Милостыня". 1610 г. Нищие и калеки в рваных одеждах толпятся возле церковного благотворительного учреждения, где раздают хлеб. Вероятно, имеется в виду одно из семи библейских дел милосердия (накормление голодных). А вот бедняки изображены не с особой симпатией – они ссорятся и воруют друг у друга. Эти социально маргинализированные группы рассматривались как угроза общественному порядку. Изображать их глупыми и аморальными было традицией в голландской живописи.

Адриан ван Остаде (1610-1685)

"Интерьер гостиницы с фермерской семьей". Около 1660-1668 гг. Пьющие крестьяне Ван Остада со временем превратились в отзывчивых крестьян в живописной обстановке, здесь семья собралась перед камином в грязной гостинице. Под присмотром отвлеченной матери дети ругаются из-за кувшина с молоком. Пролитое молоко и опрокинутая корзина с одеждой наводят на мысль, что это перевернутый мир, где непослушание детей является следствием отсутствия родительского внимания.

Карел Дюжарден (1626 - 1678)

"Крестьянская девушка доит корову". 1657 г. Крестьянская горничная стоит на коленях и доит корову, повернув грязные подошвы ног к зрителю. Рядом стоит мальчик-пастушок, опираясь на посох. Этот мотив имел давнюю традицию в голландском искусстве, и его эротический подтекст был хорошо известен. Но изысканная натуралистическая подача Дюжардена с ее приглушенной атмосферой и чуткой передачей пространства и света скорее приближается к пасторальной пейзажной идиллии.

Константин Верхут (годы актив. 1663 - 1667)

"Уснувший студент". 1663 г. Молодой человек уснул за своим столом. Тщательно изображен на переднем плане натюрморт со сложенными стопками книгами и его замысловатая игра света и тени. Единственная примечательная деталь в этой бытовой сцене — жест молодого человека. Его праздная рука заправлена ​​в куртку – традиционно символ лени, одного из семи смертных грехов. Поэтому мотив можно интерпретировать, как призыв правильно использовать нашу короткую земную жизнь.

Корнелис Питерс Бега (1631 - 1664)

" Дуэт". 1663 г. Молодая женщина поет дуэтом с пожилым мужчиной, играющим на скрипке, перебирая струны ее лютни. Женщина задрапирована драгоценными шелковыми тканями, мужчина одет в более простую одежду низших социальных слоев. Картина безответной любви и гармонии? Несоответствующая пара и ее традиционно негативные ассоциации с глупостью и похотливостью предполагают еще одно значение: считалось, что соблазнительное влияние музыки на наши чувства ведет к сексуальному потаканию.

Джудит Лейстер (1609-1660)

"Мальчик, играющий на флейте". Около 1630 г. Картина мальчика, играющего на флейте, погруженного в музыку, отличается сильным реализмом. Это сцена из повседневной жизни? Аллегория Слуха, одного из пяти чувств? Ловкость рук Лейстера в сочетании с неустойчивой позой мальчика, сидящего, прислонившись к сломанной спинке стула, помогают создать впечатление снимка. Музыка, самое эфемерное из всех искусств, ассоциировалась, как с похотью, так и с быстротечностью.

Габриэль Метсю (1629-1667)

"Игровая вечеринка". 1660 г. Модная молодая женщина играет в карты с офицером в элегантном интерьере, а другой мужчина протягивает ей трубку. Сцены с карточными игроками и курильщиками в гостиницах и борделях, где солдаты общаются с куртизанками, имеют давнюю традицию в голландском искусстве. Любовный контекст представлен женскими грелками для ног, служебным предметом, но также и символом томящегося по любви человека, который стремится удовлетворить женщину, подчиняясь ее воле.

Ян Адрианс ван Ставерен (1613 - 1669)

"Интерьер кухни с женщиной, чистящей фрукты". 1650-е годы. Горничная сидит на кухне и чистит фрукты. Чистота, домашняя работа и трудолюбие рассматривались, как добродетели, сродни благочестию, а женщины, выполняющие работу по дому, были популярным мотивом в изобразительном искусстве. В скрытом месте на заднем плане изображена любящая пара, обнимающая друг друга – образ незаконной любви, против которой должна остерегаться каждая добродетельная женщина.

Якоб Фопсен ван Эс (1596 - 1666)

"Часть завтрака с сыром и чашками". 1630-е годы. Драгоценные продукты питания, такие как выдержанный сыр, цитрусовые, белый хлеб, мясо и вино, были включены в рацион высших социальных слоев, а эксклюзивный бело-голубой фарфор свидетельствует о торговых связях с Китаем. Этот мотив был интерпретирован, как морализирующий призыв соблюдать умеренность в отношении благ жизни. Это также демонстрация техники иллюзионистской живописи Якоба Фопсена ван Эса.

Франс Снейдерс (1579 - 1657)

"Натюрморт с вазой для фруктов в нише". В центре картины – позолоченная кондитерская ваза, наполненная виноградом. Он стоит в нише, окруженный фруктами и предметами, которые сигнализируют о богатстве и изобилии. В тени за чашей виден керамический сосуд, а на узком краю — драгоценный бело-голубой фарфор из Китая и венецианское стекло. Перспектива картины, где зритель кажется стоящим немного ниже картины, показывает, что ее предполагается повесить высоко, возможно, над дверным проемом.

Неизвестный художник

"Айва в корзине". 1600 г. Почти монументальное изображение служанки или крестьянки необычно для французской живописи 17-го века. А вот платье женщины, обрезанное до сосков, выполнено из коричневого шелка на талии и мерцающей белой шелковой ткани для присборенной юбки и широких рукавов. Тонкий прозрачный белый воротник накинут на спину и плечи. Возможно, это дочь богатого человека, изображающая из себя продавца? Но вряд ли богатая девушка выглядела бы так покорно. Может ли это быть молодая женщина из рабочего класса, чей муж развлекается с ней? И вот девочка нарядилась и попросила подругу-художника порисовать?

Франс Халс (1584-1666)

"Женский портрет ". 1643 г. Женщина плотно одета в черное с накрахмаленным белым полотном вокруг воротника и капюшона. Это была преобладающая мода на замужнюю женщину из буржуазии. Ее статус подчеркивают роскошные модные детали, такие как мягкий мех и перчатки. Художник Франс Хальс был ценным художником-портретистом в Харлеме, разработавшим свою собственную технику живописи. Ему удавалось подчеркнуть отдельные черты лица, а также хрустящие шелковые ткани.

Джудит Лейстер (1609-1660)

"Портрет мальчика". 1640 г. Женщины-профессиональные художницы, такие как Джудит Лейстер, были редкостью в Нидерландах 17-го века. Лейстер стала членом гильдии художников в Харлеме в 1633 году и в следующем году открыл в городе собственную мастерскую. Хотя она была выдающимся художником, ее работы часто приписывали художникам-мужчинам, особенно Франсу Хальсу. Это относится и к этому портрету, который был признан работой Джудит Лейстер только в 1970-х годах.

Жерар де Лересс (1641 - 1711)

"Ахиллес признан Одиссеем при дворе Ликомеда". 1675 г. В греческой мифологии матери Ахилла сказано, что ее сын будет убит, если примет участие в Троянской войне. Поэтому она позволяет ему вырасти среди дочерей царя Ликомеда на острове Скирос, переодевшись девушкой. Греки обнаруживают тайник и отправляют туда Одиссея. Под видом торговца он дарит драгоценности и оружие. Появляется Ахиллес, когда он тянется к оружию. Он вынужден выбирать между долгом и жизнью в удовольствиях.

Геррит Беркхейде (1638-1698)

"Зийлпоорт, Харлем". 1670 г. На картине изображены Зийлпорт, городские ворота в Харлеме, которых больше нет, с животными и людьми, прогуливающимися по берегу канала в лучах вечернего солнца. Виды города у Беркхейда являются важным историческим документом об улицах, площадях и зданиях его родного города. Фигуры на картинах обычно выполнялись другими художниками.

Филипс Вауэрман (1619-1668)

"Мужские санки на льду". 1646 г.

Ян Давидс де Хем (1606-1684)

"Цветочный натюрморт с вазой с фруктами и устрицами". Около 1665 - 1672 гг. Капли росы и насекомые создают впечатление, что букет только что собран. Мотив отражает богатую торговлю цветочными луковицами в Голландии. Оранжевый цвет относится к лидеру нации Вильгельму Оранскому. Сине-белая чаша может быть импортирована из китайского фарфора или фаянса из Делфта. В интерпретациях натюрмортов 17-го века устрицы и фрукты часто рассматриваются, как символы плодородия, а ножницы и бабочки означают вечную жизнь и воскресение.

Туссен Гельтон (1630 - 1680)

"Юноша пишет при свете свечи". 1663 г. Туссен Гельтон был голландским художником, который несколько лет работал в Швеции в 1660-х годах. Его картины часто были, как здесь, небольшими и выполнены тонкой кистью на медной пластине. Картина хочет создать иллюзию того, что мы смотрим через арочный оконный проем в стене. Комната внутри освещена одинокой свечой, которую мужчина только что вынул из кола, чтобы лучше рассмотреть. Он отрывается от стола и смотрит на нас в темноте. Иллюзию усиливает игра теней в проеме стены.

Исаак Люттичуйс (1616 - 1673)

""Портрет молодого человека в перчатках". 1661 г. Портрет молодого человека в три четверти, одетого по последней моде примерно середины XVII века: костюм черного цвета со шнуровкой вокруг пуговиц, брюссельское кружево на рубашке, бриджи и перчатки из мягкой кожи.

Цезарь ван Эвердинген (1616-1678)

"Юпитер и Каллисто". 1655 г. Цезарь ван Эвердинген был одним из самых активных художников-историков в Голландии, у него было множество общественных заказов, таких как ставни органа в Гроте Керк в Алкмааре и несколько картин для Ораньезаала в Хуис-тен-Бош в Гааге. В 1655–1656 годах он возглавлял Харлемскую гильдию. «Юпитер и Каллисто» — прекрасный пример прохладного классицизма, ставшего популярным в Харлеме и Амстердаме в середине 17 века. Юпитер представлен здесь как коронованный царь богов с орлом в качестве его атрибута. Женщина — нимфа Каллисто, любимица Дианы. Когда Каллисто отдыхала после охоты, Юпитер, переодевшись Дианой, подошел к застенчивой нимфе и сказал: «Дорогой друг, где ты охотился?» Она поднялась с земли и начала рассказывать о своих охотничьих приключениях. Затем Юпитер напал на Каллисто, изнасиловал ее и сделал ее беременной. Хотя Каллисто сопротивлялась, Диана была в такой ярости, когда услышала об инциденте, что превратила нимфу в медведицу и натравила на нее собак. На картине Юпитер не замаскирован, как в рассказе. Единственный признак маскировки — маска Дианы вверху слева. Маска – символ притворства и предательства. Маленький путти, держащий маску, делает непристойный жест другой рукой. Художник играет со зрителем. Идея состоит в том, чтобы мы поняли намерения Юпитера, а Каллисто понятия не имеет. Только ее собака чувствует тревогу в воздухе.

Геррит Доу (1613-1675)

"Кающаяся Магдалина". Около 1635 - 1640 гг. Геррит Доу и его последователи известны, как прекрасные художники из Лейдена. Их картины характеризуются небольшими размерами и четкостью деталей, которая часто поражает. В Библии здесь можно разобрать почти каждую страницу и каждую букву. И мотив, и способ, которым художник его изображает, свидетельствуют о впечатлениях от аналогичных картин Рембрандта, у которого учился Геррит Доу. Картина когда-то принадлежала королеве Кристине.

Якоб ван Рейсдал (1628-1682)

"Вид на Эгмонд-ан-Зее". 1648 г. Пейзажные мотивы были востребованы интересующейся искусством буржуазией Голландии 17 века. Якоб Исаакс ван Рейсдал стал одним из самых успешных в этой области. В этом виде города Эгмонд он применил продвинутую игру света и тени. Город лежит в тени под облаками, но если напрячь зрение, он все равно предстает во всем богатстве деталей. Свет на картине сконцентрирован на небольшом участке переднего плана, как бы привлекая наше внимание к фигурам на обочине дороги.

Рембрандт (1606-1669)

"Кухонная горничная". 1651 г. В 1650-ых годах Рембрандт выполнил несколько картин с женщинами, напоминающими «Кухарку». Яркое изображение девушки в окне выполнено широкими мазками и сильным контрастом между светом и тенью. Теплый красный жакет гармонично контрастирует с белой блузкой и темным фоном. Картина принадлежала графу Йохану Габриэлю Стенбоку, который в 1670-х годах путешествовал, среди прочего, по Голландии.

Ян Ливенс (1607-1674)

"Апостол Павел". Около 1627 - 1629 гг. В конце 1620-х годов Ян Ливенс и Рембрандт сотрудничали в Лейдене. Они были ровесниками, и произведения их юности часто трудно отличить. Эта картина апостола Павла демонстрирует близость к работам Рембрандта как по сюжету, так и по энергичному свету и теням, а также по реалистичному изображению морщинистого лица и грубой руки. Павел изображен стареющим ученым, который в глубоких раздумьях, озаренный божественным светом, пишет свои послания.

Рембрандт (1606-1669)

"Заговор Клавдия Цивилиса". 1661 г. Историческое полотно Рембрандта, самое крупное по размерам из всех его произведений (первоначальная ширина и длина — более 5 метров). На картине в окружении единомышленников изображен одноглазый Клавдий Цивилис, предводитель батавов, племени, которое населяло в древние времена нидерландские земли и считается предками голландцев. Цивилис призывает батавов к восстанию против римлян. Именно тот момент, когда скрестив мечи и подняв чаши, батавы дают клятву, и изобразил на картине художник.

Рембрандт (1606-1669)

"Апостол Петр". 1632 г. Петр – ученик Иисуса и первый Папа Римский – серьезно обращается к нам. Этот взгляд словно призывает нас задуматься над своими поступками и жить благочестиво. Ключ – это символ Петра. В 17 веке он был важным символом папства и католической церкви, но для Рембрандта это относительно необычный сюжет. Напротив, для художника характерно это прямолинейное изображение, как и тусклый свет – где лицо, рука и ключ резко выступают из темноты.

Рембрандт (1606-1669)

"Молодая женщина в профиль, держит веер". Картина женщины не является портретом в прямом смысле этого слова. Это так называемый трони – изображение очаровательного человека, обычно одетого здесь в экзотическую одежду. Блузка со складками отражает моду 16 века; одеяние с золотым шитьем словно возникло в воображении художника. Картины были популярными коллекционными предметами, демонстрировавшими изобретательность и мастерство художника.

Зал экспозиции

Туристер Андрей!..

Рембрандт (1606-1669)

"Симеон в храме". 1669 г. Согласно Евангелию от Луки, благочестивый Симеон получил от Бога обещание не умереть, пока не увидит Спасителя. Когда младенца Иисуса несли в храме в Иерусалиме, старец узнал Спасителя и поблагодарил Бога. Рембрандт создает интимную и нежную сцену с несколькими фигурами, окруженными тьмой. С полузакрытыми глазами хрупкий старик держит ребенка на руках. Это была последняя работа Рембрандта. После его смерти она осталась незавершенной.

Ламберт Якобс (1598 - 1636)

"Непослушный пророк". 1620-е годы. В Ветхом Завете рассказывается, что Бог послал своего пророка в Вефиль, чтобы осудить идолопоклонство народа. Его послушание подвергается испытанию, когда древний пророк приглашает его на трапезу. Несмотря на то, что его предостерегали от общения с идолопоклонниками, он поддался искушению. Здесь изображен драматический момент, когда старый пророк, как орудие Бога, объявляет о своей двойной игре и приговаривает брата к смерти.

Питер Ластман (1583-1633)

"Жертвоприношение Дидоны Юноне". 1630 г. В молодости Питер Ластман путешествовал по Италии и находился под влиянием современной римской живописи, но позже разработал свой собственный стиль с библейскими и древними мотивами в многочисленных сценах и ярких цветовых тонах. Рембрандт и его коллега Ян Ливенс учились у Ластмана — ведущего художника-историка того времени в Амстердаме. Однако, вернувшись в родной город Лейден, молодые художники оторвались от красочного и мелкофигурного стиля учителя.

Давид Бек (1621 - 1656)

"Королева Кристина (1626 - 1689)". 1650 г. В том же году, когда Кристина была коронована, Бек написал ее портрет в белом шелковом платье. Изображение содержит ряд символов, которые отдают дань уважения королеве. Животворящий дух Кристины течет сквозь стихии — землю (шар), воздух (порыв ветра в завесе) и воду (фонтан слева), создавая единство ее королевства. Около 1650 года монархия оказалась под угрозой в нескольких странах, и портрет можно рассматривать, как философскую защиту королевской власти.

Доменико Фетти (1588 - 1624)

"Давид с отрубленной головой". 1620-е годы. В Библии рассказывается, как пастух Давид убивает Голиафа камнем и обезглавливает великана собственным мечом. Давид смотрит на зрителя с непоколебимой уверенностью. Жестокость истории была смягчена. Вместо этого основное внимание уделяется богатой цветовой гамме и плавной манере письма в обивке в античном стиле. В качестве модели для Давида Фетти использовал молодого Фердинандо Гонзагу, герцога Мантуи. Таким образом, смысл картины стал политическим.

Джованни Баттиста Рекко (1631 - 1674)

"Натюрморт с рыбой и устрицами". 1653 г. Рекко принадлежал к известной неаполитанской семье художников, специализирующихся на натюрмортах. На него повлияли как римские караваджисты, так и испанская живопись. Рыбный натюрморт производит непосредственное впечатление благодаря блестящим цветовым тонам, интенсивность которых усиливается за счет контраста с нейтральными тонами темного интерьера. Рекко сочетает в себе непритязательные мотивы и натурализм с интимностью и сдержанностью. Его натюрморты характеризуются проникновенным чувством повседневности.

Лука Джордано (1634-1705)

"Св. Варфоломей". 1660 г. Лука Джордано был ведущим художником неаполитанской живописи второй половины 17 века. На него повлиял испанский художник Хусепе де Рибера, который также работал в Неаполе. Варфоломей, один из учеников Иисуса, изображен с драматическим светом и сильным реализмом. Грязные руки и морщинистое лицо призваны дать ощущение присутствия святого. Нож напоминает, что он был замучен, сдирая кожу живьем.

Хусепе де Рибера (1591-1652)

"Святой Павел Пустынник". 1644 г. Павел Фивский считался первым из египетских отшельников – женщин и мужчин, которые, спасаясь от преследований христиан во II веке, выбрали жизнь затворничества и посвятили себя созерцанию и аскетизму. Согласно традиции, Павел провел почти девяносто лет в пустыне, нося только одежду из плетеных пальмовых листьев и питаясь фруктами и хлебом. Как выражение таинства покаяния, изображения раннехристианских отшельников в эпоху Контрреформации имели назидательную цель. Изображение кающегося Риберы показывает глубокое понимание искусства Караваджо. Этот момент представляет собой эмоциональную кульминацию истории, где свет символизирует экстатическое откровение Павла и его внутренний диалог с Богом. Его поза намекает на распятого Христа и предполагает готовность прислушаться к призыву следовать за ним. Истощенное тело изображено с непоколебимым реализмом, тщательно передано каждое анатомическое несовершенство. Это в отличие от лица, излучающего духовность. Рисуя по живой модели, художник создает образ глубоко человечного персонажа, современного святого Павла, который предлагает верующему образец для подражания, с которым он может себя идентифицировать.

Бернхард Кейл (1624 - 1687)

"Пастух, играющий на дудке". 1640- е годы.

Артемизия Джентилески (1593 - 1654)

"Женщина-святая и мученица, возможно, св. Екатерина Александрийская". 1630-е годы. Артемизия Джентилески родилась в Риме и была ученицей отца Орацио (1563–1639), одного из первых последователей Караваджо. Она также работала во Флоренции, Венеции, Неаполе и Лондоне. После караваджизма ее юности ее стиль постепенно развивался в сторону более элегантных композиций и более светлой цветовой гаммы, вдохновленной венецианским колоризмом. Среди клиентов были великий герцог Тосканы и король Испании Филипп IV. Артемизия была первой женщиной, получившей известность как художник-историк и поступившей в престижную Флорентийскую Академию дель Дизайн. В центре внимания искусства Артемизии Джентилески часто были сильные женщины. Одной из них была Екатерина Александрийская, покровительница ученых. Она приняла мученическую смерть за свою веру в четвертом веке. Индивидуальные черты лица и пристальный взгляд Девы свидетельствуют о смелости. Атрибуты – книга и пальмовая ветвь. Пурпурное шелковое платье указывает на ее королевское рождение. Свет, символ божественного вдохновения, делает мощную фигуру отчетливой.

Хендрик тер Брюгген (1588-1629)

"Юноша, играющая на лютне («Слух», из серии о пяти чувствах)". 1620-е годы. Картины словно перекликаются с песнями и музыкой. Женщина-проститутка со смехом поднимает бокал и бросает соблазнительный взгляд на своего спутника, играющего на лютне. В 17-ом веке смех интерпретировался, как признак отсутствия разума среди низших классов общества, которые считались во власти своих плотских желаний. Картины предостерегали от чувственных удовольствий, но также воспринимались, как развлекательные.

Жорж де Ла Тур (1593 - 1652)

"Покаяние Св. Иеронима". 1630 -е годы. Святых часто изображают с предметами, которые относятся к их жизни и делают их узнаваемыми. Раскрытая книга напоминает о том, что отец церкви Иероним сделал первый перевод Библии на латынь. Бич и крест символизируют время его покаяния в пустыне. Шляпа красного кардинала показывает его высокое положение в церкви, но в некотором смысле странна, поскольку в IV веке, когда жил Иероним, кардиналов еще не было.

Николя Пуссен (1594-1665)

"Вакх- Аполлон". Около 1620 - 1625 гг. Рентген показывает, что под верхним слоем краски находится более ранняя версия. Это соответствует эскизу художника, где сюжетом является Дионис (Вакх) с козой. В книге о картине историк искусства Эрвин Панофски интерпретирует это изменение, как означающее, что Пуссен закрасил первую картину, потому что хотел сменить тему. Во втором варианте объединены символы Аполлона и Диониса – по традиции, аспекты одного и того же божества.

Якоб Йорданс (1593-1678)

"Царь Лидии Кандавл показывает свою супругу Гигесу". 1646 г. Чтобы похвастаться красотой своей жены, греческий царь Кандавл тайно показал ее обнаженной своему придворному Гигесу. Именно этот момент изображен на картине, но действие происходит в 17 веке, а не в античные времена. Королева смотрит на нас взглядом, который можно интерпретировать как вызывающий, так и торжествующий. По соглашению с царицей король был убит Гигесом, который затем занял трон вместе с ней.

Ян Фит (1611 - 1661)

"Цветочный натюрморт с опрокинутой вазой". 1659 г. На плоском камне на переднем плане на темном фоне виден опрокинутый кувшин в светло-голубоватой соляной глазури, из которого падает букет тюльпанов и розовых и белых роз; на заднем плане две дыни.

Франс Франкен-Младший (1581 - 1642)

"Свадьба в Кане". Около 1618 - 1620 гг. Франкен изображает библейскую историю о первом чуде Иисуса. Под навесом в фундаменте среди свадебных гостей сидят жених и невеста. Когда вино кончается, Иисус велит слугам наполнить пустые кувшины водой. Во дворе слева из колодца черпают воду. На переднем плане Иисус превращает воду в вино. Богатство деталей картины и экзотические костюмы маленьких фигурок пестрых цветов типичны для кабинетной живописи Антверпена.

Фрагмент картины

.

Фрагмент картины

.

Якоб Йорданс (1593-1678)

"Поклонение пастухов". 1618 г. В Евангелии от Луки рассказывается, как ангел является пастырям с радостной вестью о рождении Спасителя. Они идут в Вифлеем, чтобы увидеть младенца Иисуса. Помимо Святого Семейства и пастухов, в сцене также присутствуют пастушки, которые традиционно приносили в дар яйца и молоко. Повседневный реализм фигур и освещение с ослепительным дневным светом и глубокими тенями, возможно, были вдохновлены встречей с Мадонной Розария Караваджо в доминиканской церкви Антверпена.

Томас Виллебурт Босхаерт (1614 - 1654); Пауль де Вос (1595 - 1678)

""Амур торжествует среди символов искусства, науки и войны - Cupid Triumphans". 1645-1650 гг. Мотив – аллегория триумфа Амора (любви).Искусство, музыка, наука и воинские подвиги тленны и ничтожны по сравнению с небесной любовью или добродетелью, которая торжествует над всем. Виллебуртс Босхарт написал основную композицию и фигуру Купидона, а другой художник, вероятно, Поль де Вос, нарисовал доспехи, музыкальные инструменты и другие символы мирской чести и знаний.

Томас Виллебурт Босхаерт (1614 - 1654); Пауль де Вос (1595 - 1678)

"Исследование головы мальчика". Около 1645 - 1650 гг. Мальчик с румяными щеками и спутанными светлыми кудрями, возможно, был сыном кого-то из круга знакомых художника. Художник использовал портретный этюд в качестве головы Купидона в большой картине, изображающей торжествующую любовь. Этюд несколько раз копировался как Виллебуртом Босхартом, так и другими художниками, и мальчик предстает, среди прочего, в образе ангела. Это было стандартной студийной практикой в ​​Антверпене 17 века.

Давид Тенирс-младший (1610-1690)

"Сцена в гостинице с курильщиком трубки". Около 1635 г.

Корнелис де Вос (1584 - 1651)

"Портрет дамы средних лет". 1630 г. Женщина не идентифицирована, но ее одежда позволяет предположить, что она принадлежала к богатой буржуазии Антверпена, которую часто изображал художник. Поверх облегающего, расшитого золотом корсажа и юбки с такими же рукавами из драгоценного черного шелка она носит длинное верхнее платье. На фоне черного цвета контрастируют белые кружевные манжеты, воротник-жернов и капюшон с кружевной отделкой. Кольца и коралловые браслеты подчеркивают богатство модели.

Якоб Йорданс (1593-1678)

"Старый сатир с флейтой". Около 1620 г. В греческой мифологии сатирами были лесные и горные существа с козлиными и человеческими чертами. Их изображали с копытами, волосатыми ногами, хвостами и – как здесь – рогами. Сатиры были сексуально похотливы и склонны к выпивке, танцам и музыке. Волынка, которую держал сатир, была широко распространенным фаллическим символом. Йорданс использовал старика в качестве модели сатира в нескольких произведениях.

Даниэль Сегерс (1590 - 1661) и Эразм Квеллин (1607 - 1678)

"Картуш украшенный цветами бюстом Марии". Около 1650 - 1655 гг. Художник-цветочник и иезуит Даниэль Сегерс сотрудничал с другими художниками. Здесь именно Эразм Квеллин первым нарисовал каменный рельеф с бюстом Девы Марии. Затем Сегерс добавил венок. Квеллин оставил некоторые части неокрашенными, но иногда поверх картуша добавляют цветы, например гиацинты в верхней части картины. Многие цветы являются символами Марии, например, розы, цитрусовые, акации, ирисы и гвоздики.

Даниэль Сегерс (1590 - 1661) и Эразм Квеллин (1607 - 1678)

"Цветочный картуш с изображением Марии". Около 1645 - 1650 гг. Художник-цветочник Даниэль Сегерс специализировался на декоративных картинах, в которых религиозные мотивы обрамлены виртуозно-натуралистичными цветочными лозами. Изображение Мариан в стиле обманки, вероятно, было написано Эразмом Квеллином , что было распространенной формой художественного сотрудничества в Антверпене 17-го века. Некоторые цветы, например розы, символизируют добродетели Марии. Зегерс был иезуитом, и большинство картин использовались Орденом иезуитов в качестве дипломатических подарков.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

"Вакханалия". 1630 - е годы. Сцена представляет собой пьяный праздник, вакханалию на греческом острове Андрос, где Вакх создал нескончаемый поток вина. Версия Рубенса является вольной копией работы художника XVI века Тициана (Прадо, Мадрид). Его картина отличается от картины Тициана более темпераментной экспрессией, и сам он считал ее оригиналом.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

"Сусанна и старейшины". 1614 г. Одним из любимых мотивов Рубена была история Сусанны в Вавилоне и старцев, которые подкрались к ней, когда она купалась. Ненавидимая, она сопротивляется их ухаживаниям, но вместо этого они обвиняют ее в прелюбодеянии. Пророк Даниил доказывает ее невиновность. В то время как добродетель Сюзанны представлялась идеалом, этот мотив дал художнику повод показать блестящую кожу обнаженной женщины, моделируемую тонкими полупрозрачными слоями розового и серого цветов.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

"Дочери Кекропа обнаруживают Эрихтония". Около 1632 г. Рубенс был образованным художником, бравшим порой необычные сюжеты. На этом этюде маслом изображен эпизод из «Метаморфоз» Овидия. Богиня Минерва доверила трем сестрам корзину с ребенком. Но они не должны открывать корзину. Рубенс сосредотачивается на их реакции, когда они все равно поднимают крышку и обнаруживают, что у ребенка змеиные ноги. Об этом рассказывает ворона (на фонтане), и их наказывают безумием.

Неизвестный художник. Копия. По Питеру Паулю Рубенсу

"Смерть Сенеки". Картина является копией картины Рубенса «Смерть Сенеки» в Старой пинакотеке в Мюнхене. Он представляет собой древнюю скульптуру рыбака, ошибочно принятого за философа-стоика Сенеку, совершающего самоубийство, перерезав вены на руках. Сенека пользовался большим уважением в кругу Рубена в Антверпене. Город был центром неостоицизма, философского движения, придававшего большое значение работам римского философа.

Осиас Берт (1580 - 1623)

"Натюрморт с вишней". Около 1600 г. Оловянная тарелка, наполненная красными и желтоватыми вишнями. Изображение нанесено в несколько почти полупрозрачных слоев на деревянное панно, благодаря чему создается впечатление, что ягоды блестящие и сочные. Осиас Берт был художником из Антверпена, который специализировался на натюрмортах, который часто писал композиции с фруктами и ягодами.