Галерея «Тейт Британия». Часть 5-ая

Пол Нэш (1889 - 1946)

"Тотализатор Меер ( Мертвое море)". 1940 г. Эта картина, название которой по-немецки означает «Мёртвое море», была написана в первой половине Второй мировой войны. Пол был вдохновлен свалкой разбитых самолетов в Коули в Оксфордшире. Основанию картине послужили фотографии, которые он сделал там. Художник так описал это зрелище: «Эти предметы внезапно показались мне похожими на огромное разливающееся море... прибои поднимаются на дыбы и разбиваются о равнину. … ничего не движется, это не вода и даже не лед, это что-то статичное и мертвое». Он создал тревожную атмосферу, устроив сцену ночью и включив одинокую летящую сову.

Л. С. Лоури (1887 - 1976)

"Индустриальный пейзаж". 1955 г. Эта картина типична для панорамных городских пейзажей, которые Лоури рисовал на протяжении всей своей карьеры. Хотя это воображаемая композиция, элементы вида узнаваемы, как реальные места. Например, в левом верхнем углу картины можно увидеть Стокпортский виадук, постоянно преследовавший художника. Но, в целом изображение представляет собой обобщенное впечатление от городской среды, в которой преобладают дымящие трубы, заводы, дороги, мосты и промышленные пустыри. Словно чтобы подчеркнуть человеческое присутствие в этом огромном, почерневшем городе, Лоури фокусирует внимание на маленькой улице на переднем плане, почти приглашая зрителя. присоединиться к небольшой группе людей, занимающихся своими делами.

Денис Уильямс (1923 - 1998)

"Мулид эль-Наби". 1959 г. Эта работа на бумаге 1959 года, выполненная акварелью, тушью, карандашом и папье-колле, представляет собой сложную сцену, сочетающую в себе абстракцию и фигуративность. В центре большая исламская арка, или оги, обрамляет группу собравшихся мужчин в драпировках и тюрбанах, кланяющихся перед несколькими исполнителями, включая барабанщика и фигуру в профиль с поднятой рукой. Форма арки повторяет форму внушительного здания на заднем плане, возможно, мечети с двумя минаретами. Арка и окружающие ее области вверху и по бокам композиции богато украшены абстрактными мотивами, преимущественно окрашенными в яркие основные цвета.

Питер Лэньон (1918 - 1964)

" Сент-Джуст". 1953 г. Лэньон назвал эту картину в честь Сент-Джаст-ин-Пенвита, маленького серого городка, который был историческим центром оловянной промышленности западного Корнуолла. Первоначально, задуманная, как распятие, Лэньон быстро связал эту работу с трагической историей шахтерского района, который тянется к западу от Сент-Айвса в направлении Сен-Джуста, а также с мифологическими символами смерти и обновления. Эта картина стала кульминацией серии работ, созданных с конца 1951 по 1954 год, в которых Лэнион наносил последовательные слои густой краски в сложные, запутанные композиции, предполагающие пейзажи с символическим значением.

Рональд Муди (1900 - 1984)

"Зритель". 1958 г. Муди переехал в Париж в 1938 году, но был вынужден бежать в 1940 году, за два дня до того, как город пал под нацистской оккупацией. Он вернулся в Великобританию в 1941 году, где оставался до своей смерти в 1984 году. В 1950-х и 1960-х годах Муди регулярно выставлялся в Лондоне. «Зритель» — редкая работа из дерева этого периода, раскрывающая его взгляд на роль художника в обществе как наблюдателя. В конце 1960-х Муди стал активным членом Карибского движения художников. В 1970 году движение назвало свой журнал Savacou в честь его скульптуры мифической карибской птицы для Университета Вест-Индии на Ямайке.

Ф. Н. Соуза (1924 - 2002)

"Распятие". 1959 г. В основе «Распятия» Соузы — тело Христа, преображенное страданиями. Соуза родился в католической провинции Гоа на западе Индии. В 1950-х годах он был одним из первых представителей поколения индийских художников после обретения независимости, сделавших карьеру в Великобритании. Его изображение агонизирующего черного Христа обращается к его собственным чувствам религиозного конфликта, а также к культурной напряженности между черными и белыми, христианскими и нехристианскими, колонизированными и колонизирующими обществами.

Прунелла Клаф (1919 - 1999)

"Мужчина обливает шлангом металлические коробки для рыбы". 1951 г. В конце 1940-х и начале 1950-х годов «обычный человек» или рабочий был доминирующей темой для Клаф и некоторых ее современников. В период с 1946 по 1949 год Клаф часто посещала побережье Восточной Англии, и считается, что эта тема связана с ее пребыванием там. Хотя работы Клаф вдохновлены определенной местностью, они обычно превращают частное и локализованное в нечто более универсальное. Она придает ощущение монументальности фигуре, занятой черной работой, а также предполагает суровый реализм жизни рабочего человека.

Гиша Кениг (1921 - 1993)

"Художники по металлу I". 1957 г. Кениг интересовалась жизнью рабочего класса и с середины 1950-х годов регулярно делала зарисовки людей, работающих на фабриках. Эти рисунки послужили исходным материалом для ее скульптур, запечатлевших людей во всем их физическом многообразии, с разной степенью энтузиазма выполняющих возложенные на них задачи. Как таковые, они не представляли собой идеализированное представление о достоинстве труда, а претендовали на правдивое описание фабричной жизни.

Магда Корделл (1921 - 2008)

"Фигура ( Женщина)". 1956 г. Фигура Корделла (Женщина) с текстурированной поверхностью и мешкообразным корпусом демонстрирует близость к выразительной абстракции европейских художников, таких как Жан Дюбюффе и Жан Фотрие. Ее изображение женской фигуры было воспринято современными критиками, как разрыв с традиционными представлениями о женщинах, олицетворяющими тревоги ядерного века. Совсем недавно ее картины рассматривались, как изображения героической женственности с искажениями, обозначающими устойчивость человеческого тела к травмам и изменениям.

Линн Чедвик (1914 - 2003)

"Соединение". 1953 г. Чедвик был одним из ведущих скульпторов двадцатого века. Он учился в Школе Торговца Тейлорса и работал чертежником, прежде чем стать художником. В 1956 году он получил международное признание, когда получил Международную премию в области скульптуры на Венецианской биеннале. Он был награжден CBE в 1964 году. Соединение — одна из первых скульптур Чедвика, изображающая человеческую пару. На его поверхности имеется железный порошок, который с тех пор заржавел. Это придает скульптуре особый цвет.

Фрэнсис Бэкон (1909 - 1992)

"Три этюда фигур у подножия распятия". 1944 г. Название этой работы отсылает к фигурам, которые часто изображаются на христианских картинах, изображающих смерть Иисуса. Бэкон сказал, что фигуры в его работах представляют Фурий, древнегреческих богинь. Они наказывали человеческие проступки. Впервые работа была показана публично в апреле 1945 года. Вторая мировая война была в последних месяцах после шести лет конфликта. Были опубликованы первые фотографии и кинокадры нацистских концентрационных лагерей. Для некоторых картина Бэкона отразила ужас Холокоста, в ходе которого было убито шесть миллионов евреев. Также считалось, что это отражает страх, вызванный разработкой ядерного оружия.

Люсьен Фрейд (1922 - 2011)

"Девушка с котенком". 1947 г. В 1947 году Люсьен Фрейд влюбился в Китти Гарман, дочь Кэтлин Гарман и Джейкоба Эпштейна, ставшую героем восьми портретов Фрейда, изображающих их короткий брак. В этой композиции котенок – тезка Гарман – крепко схвачен за шею и смотрит прямо перед собой, в то время, как Гарман отводит взгляд. «Девушка с котенком» показывает, как Фрейд стремился воплотить характер, а не просто проиллюстрировать сходство, и создать ощущение драматического напряжения.

Франк Ауэрбах (род.1931)

"EOW Nude". 1953 г. Ауэрбах учился у Бомберга дольше, чем кто-либо другой. Он поступил в Городской политехнический институт в январе 1947 года и посещал там вечерние занятия до 1953 года, одновременно официально посещая Школу искусств Святого Мартина и Королевский колледж искусств. Ауэрбах сказал, что он научился у Бомберга не технике, а «чувству высоких стандартов живописи». Он разработал особую манеру живописи, в которой густая краска придает независимую реальность, а также используется, как средство изображения физического объекта.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Three Points". 1939 - 1940 гг. Мур следил за деятельностью сюрреалистов в Париже. Он также участвовал в Международной выставке сюрреалистов в Лондоне. Некоторые из его работ исследуют чувства неуверенности и тревоги, связанные с сюрреализмом. Использование пространства в Three Points создает ощущение предвкушения. Мур прокомментировал: «Это указание имеет эмоциональное или физическое действие, когда предметы вот-вот соприкоснутся, но не... как точки в свече зажигания автомобиля... искра должна перепрыгнуть через зазор». .

Генри Мур (1898 - 1986)

"Падающий воин". 1956 г. Мур получил международную известность благодаря скульптурам женских фигур, когда в середине 1950-х годов он создал несколько скульптур уязвимых мужчин. Для этого он обратился к классическим прецедентам, фотографиям и другим источникам, таким как гипсовые слепки жертв Помпеи. Эти страдающие мужские фигуры, возможно, отражают нынешние тревоги времен Холодной войны и воспоминания о недавней войне.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Сцена в приюте: койки и шпалы". 1941 г. Эта картина экспонировалась на выставке «Военные картины» в Национальной галерее в 1941 году. Она также была воспроизведена в каталоге выставки. В своем эссе-каталоге критик Эрик Ньютон сравнил войну между Германией и Великобританией с «фундаментальным противостоянием между беспокойной силой моря и противостоящей ей твердостью суши». Волнообразные колебания фигур, лежащих на переднем плане рисунка, и вертикальный обрыв фигур на нарах замечательно соответствуют аналогии Ньютона.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Женщина, сидящая в метро". 1941 г. Хотя на многих рисунках убежищ изображены группы людей, некоторые сосредоточены на отдельных людях. На этой фотографии одинокая женщина сидит отдельно от других. Закутанная в несколько слоев одежды, она смотрит вдаль, тревожно сжимая руки. Это чувство напряжения усиливается резким скачком с переднего плана на задний и сетью нервных, царапанных линий, описывающих фигуру. Очевидное отсутствие деталей того периода побудило некоторых комментаторов интерпретировать такие фигуры как вечные символы страха, уязвимости и выносливости.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Сцена в приюте Тилбери". 1941 г. Зимой 1940–1941 годов Мур, будучи военным художником, получил доступ к общественным убежищам Лондона. Хотя он сосредоточился на станциях метро, ​​он все же сделал рисунки других убежищ, в том числе обширной площади в подвале склада в Тилбери, где он заметил: «Фигуры лежат на платформе, а наверху - большие тюки бумаги, застилающие кровати». Драматическое, мрачно освещенное, массы лежащих фигур, плавно переходящих в перспективу – каракули и царапины, хаотичный передний план, темная влажная обстановка».

Генри Мур (1898 - 1986)

" Макеты для Мадонны с младенцем". 1943 г. Мать и ребенок были главной темой творчества Мура с 1920-х годов. Однако, когда викарий церкви Святого Матфея в Нортгемптоне предложил Муру создать скульптуру Мадонны с Младенцем, тот отказался принять предложение. Он не знал, как приспособить свои светские интересы к христианской традиции. Эти бронзовые изделия представляют собой слепки оригинальных терракотовых моделей, которые он сделал для этого проекта. Они необычайно натуралистичны и пропитаны отсылками к религиозному искусству эпохи Возрождения. Это говорит о том, что Мур пытался создать скульптуру, которая показалась бы людям одновременно современной и знакомой.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Король и королева". 1952 г. Хотя эта скульптура была создана примерно во время коронации Елизаветы II, ее сюжетом не является современная конституционная монархия. Вместо этого он фокусируется на древней концепции монарха как божественного или божественно благословенного существа. Мур объединил натуралистические элементы, например, руки и ноги, с более абстрактными или примитивными, такими как головы. Его намерением было предложить сочетание человеческого и небесного внутри царской власти. Этот образ стабильной и доброжелательной власти нашел широкий отклик в послевоенной атмосфере неопределенности.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Ноги в отпуске I ". 1979 г.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Семейная группа". 1949 г. Семейная группа происходит от одного из нескольких макетов, которые Мур сделал для скульптуры для колледжа Импингтон-Виллидж в Кембриджшире. В итоге ни одно из них не было принято. Однако несколько лет спустя к нему обратились с просьбой сделать скульптуру для средней школы Барклая в Стивенейдже, и он вернулся к этой теме. Бронза была отлита тиражом в четыре экземпляра. Один все еще находится в средней школе Барклая. Остальные были приобретены Музеем современного искусства в Нью-Йорке, Нельсоном Рокфеллером и Тейтом.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Мать и дитя". 1953 г. Мур неоднократно рассматривал тему матери и ребенка. Эта скульптура входит в группу небольших бронзовых изделий, созданных художником в начале 1950-х годов и посвященных отношениям между матерью и ребенком. Во время Второй мировой войны Мур в интерпретации этой темы подчеркивал воспитательную роль матери как ответ на человеческие страдания войны. Он продолжал исследовать этот аспект предмета в 1950-х годах. Здесь он искажает мотивы, чтобы предположить подчинение матери агрессивным потребностям ребенка, пытающегося сосать грудь из ее груди.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Шлем, голова и плечи". 1952 г. Британский скульптор Генри Мур однажды описал мотив шлема, как «запись вещей внутри других вещей». Это было связано с главной темой его творчества: мать и ребенок. В то время, как некоторые скульптуры Мура представляют эти отношения как добрые и заботливые, другие работы предполагают нечто более загадочное и двусмысленное. Хотя защитные крылья мягко окутывают внутреннюю пустоту, зубчатый козырек и форма когтей создают ощущение угрозы и даже агрессии. Потертая патина намекает на какое-то древнее, покрытое шрамами в боях существо.

Зал экспозиции

Инсталляция. .

Джон Лэтэм (1921 - 2006)

"Система убеждений". 1959 г. Система убежденийпредставляет собой настенную композицию, наложенную на нарисованный холст. Его главная особенность — группа книг и разрозненных металлических элементов, залитых гипсом, налитым на холст, когда он находился в горизонтальном положении. Лэтэм покрасил этот составной кластер черной краской, объединив его и выделив на белом фоне. Две пары старинных книг стоят лицом к лицу, их страницы переплетаются, образуя единый объект. Твердые кожаные чехлы нижней пары соприкасаются по краям, в результате чего объект кажется квадратным и закрытым, если смотреть на него в вертикальном положении.

Денис Уильямс (1923 - 1998)

"Картина в шести родственных ритмах". 1955 г. В этой картине Уильямс меняет органические формы на геометрические плоскости. Ромбовидная форма полотна напоминает голландскую школу геометрической абстракции Де Стейла начала ХХ века. Но плотное наслоение самолетов напоминает фильтрацию света и тени сквозь полог тропического леса. Дочь Уильямса Эвелин Уильямс предположила, что ритмы названия могут отсылать к формальной сложности и духовному значению африканской игры на барабанах, а также к африканским основам карибской идентичности.

Зал экспозиции

.

Питер Блейк (род. 1932)

"Автопортрет со значками". 1961 г. В основе творчества Блейка лежит его увлечение и участие в мире популярной культуры и развлечений, включая музыку, кино и спорт. Этот автопортрет демонстрирует его интерес к Америке с помощью таких предметов, как джинсовая куртка (редкая в то время в Великобритании), бейсбольные бутсы, значки и журнал, посвященный Элвису Пресли, который только что стал известным в Великобритании. Блейк использует эти предметы, как портретист 17-го века, чтобы подчеркнуть свои интересы и достижения.

Полин Боти (1938 - 1966)

"Единственная блондинка в мире". 1963 г. Поп-артисты были очарованы Мэрилин Монро, как самой знаменитой кинозвездой и воплощением новой сексуальности. Однако большинство откликов ей дали мужчины. Боти была одной из немногих женщин-художников, работавших в этом ключе, и, возможно, это дало ей другой взгляд на Мэрилин. Изолирована ли фигура, зажатая между полями абстрактных форм? Название иронично? Работы Боти иногда были связаны с полом и сексуальностью, поэтому иронично, что ее саму часто обсуждали с точки зрения ее внешности.

Фрэнк Боулинг (род.1934)

"Зеркало". 1964 г. Боулинг – современник Хокни, и на его ранние работы повлиял Бэкон. Эта картина о стремлении и инклюзивности. Лестница находится в Королевском колледже искусств, а остальная часть сцены сочетает в себе современный дизайн интерьера с модным искусством, таким как творчество оп-художника Виктора Вазарели. Боулинг появляется дважды: один раз он балансирует наверху, а затем снова оказывается у подножия лестницы, как противоречивая фигура, оказавшаяся между двумя мирами. Несмотря на ранний успех, у Боулинга были причины чувствовать себя исключенными, и эту работу можно рассматривать, как выражение возникшего разочарования.

Паула Рего (1935 - 2022)

"Пожарные Алихо". 1966 г. Это большая картина, изображающая группу сюрреалистических ярких фигур на насыщенном красно-оранжевом фоне. Фигуры представляют собой смесь человеческих и животных форм в сочетании с запутанными кишечными образами и абстрактными машинообразными формами, напоминающими формы Марселя Дюшана (1887-1968), нарисованные в его « Невестах и ​​обнаженных телах ».серия картин 1912 года. Название картины Рего происходит от названия группы пожарных, которых она видела в Алихо, небольшом городке на севере Португалии, во время отпуска там на Рождество и Новый год 1965-66 годов.

Дерек Бошир (род.1937)

"Человек с набором удостоверений". 1962 г. Бошир интересовался товарной культурой и очевидной американизацией британской культуры. Зубная паста, которая была первым продуктом, рекламируемым на британском телевидении, используется здесь для обозначения того и другого. Identi-Kit Man представляет образ мужчины как кусок мозаики, манипулируемый определенным поведением. Становясь зубной пастой, он одновременно трансформируется и формируется под воздействием продуктов массового потребления. В 1962 году Бошир писал: «Эта фигура изображена на моей картине как символ «самоидентификации». Оно представляет меня (нас), зрителя, участника, игрока или винтик в колесе — аморфное «нас».

Фрэнсис Бэкон (1909 - 1992)

"Триптих". Август 1972 г. Эту работу обычно считают одной из серии «Черных триптихов» , написанных после самоубийства любовника Бэкона, Джорджа Дайера. Дайер появляется слева, а Бэкон справа. Центральная группа заимствована из фотографии борцов Эдварда Мейбриджа, но также предполагает более сексуальный контакт. Сидящие фигуры и их совокупность изображены на фоне черной пустоты, а центральный поток рассматривается как «борьба не на жизнь, а на смерть». Биограф художника писал: «То, что смерть еще не поглотила, невольно просачивается из фигур в виде их теней».

Генри Мур (1898 - 1986)

"Лежащая фигура". 1951 г. В конце 1940-х годов Совет по делам искусств предложил Муру представить идеи для скульптуры, которая будет размещена на территории Южного берега Британского фестиваля. Хотя организационный комитет предложил семейную тему, Мур решил сделать эту напряженную, скелетную полулежащую форму. Представленная работа представляет собой гипсовую модель из бронзы, отлитую тиражом в пять экземпляров.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Рабочая модель для лежащей фигуры ЮНЕСКО". 1957 г. Эта скульптура связана с Лежащей фигурой ЮНЕСКО в штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже, показанной на фотографии выше. Эта работа вырезана из травертинового мрамора и уникальна. Эта бронзовая скульптура меньшего размера выпускается тиражом в шесть экземпляров. Как и в случае с другими своими публичными скульптурами, Мур стремился избегать повествования или открытой риторики. Универсальное значение, приписываемое скульптуре Мура, сделало ее особенно подходящей для такой глобальной организации, как ЮНЕСКО.

Фрэнсис Бэкон (1909 - 1992)

"Три фигуры и портрет". 1975 г. Две динамичные фигуры и птицеподобное существо помещены в клаустрофобную обстановку. За тремя фигурами наблюдает портрет. Эту работу обычно рассматривают как изображение страдания. Одна, а возможно, и обе извилистые человеческие фигуры были идентифицированы как Джордж Дайер, компаньон, любовник и муза Бэкона. Дайер покончил с собой в 1971 году, но Бэкон продолжал изображать его и после смерти. Птицеобразная форма на переднем плане с рычащим человеческим ртом связана с Фуриями, богинями мести в греческой мифологии.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Сидящая женщина". 1957 г. Два слепка этой монументальной женской фигуры были выставлены в общественных городских пространствах: один в Вуппертале в Германии, другой в лондонском Ист-Энде. Политика Совета лондонского графства по размещению такой работы в бедных районах была частью послевоенного возрождения гражданских устремлений и социальных реформ.

Генри Мур (1898 - 1986)

"Женщина". 1957 г. Это одна из крупнейших скульптур Мура, изображающая сидящую обнаженную женщину, отлитая тиражом девять экземпляров. Оригинал гипса находится в Художественной галерее Онтарио, Торонто, и ее куратор Алан Уилкинсон описал эту скульптуру как «одно из самых ярких изображений плодородия, созданных в 20 веке». Он также связал это с ранним интересом Мура к палеолитической скульптуре, влияние, которое художник с готовностью признал. Мур писал о работе: «У женщины поразительная полнота живота и груди. Маленькая голова необходима, чтобы подчеркнуть массивность тела — если бы голова была больше, это испортило бы всю идею скульптуры».

Р. Б. Китай (1932 - 2007)

"Свадьба". 1989 г. На этой картине Китай запечатлел различные моменты своей свадьбы с коллегой-художницей Сандрой Фишер (1947–1994). Художник, находящийся справа, носит традиционную шаль еврейских женихов и наклоняется вперед, чтобы обнять Сандру. Слева в цилиндре изображен раввин Авраам Леви. Под хупой (навесом) находятся его дети и несколько художников. Люсьен Фрейд (1922–2011) находится слева, Фрэнк Ауэрбах (род. 1931) в центре, а Дэвид Хокни (род. 1937), шафер, находится справа, ссылаясь на художественное сообщество, которое он построил вокруг себя. «Свадьба» объединяет ключевые темы искусства и мысли Китая, в том числе растущее осознание им своей идентичности как еврея и понятие диаспоры, которое важно в еврейской мысли, опыте и идентичности.

Ибрагим Эль- Салахи (род.1930)

"Они всегда появляются". 1964 г. Это картина маслом, созданная из нескольких слоев краски, местами текстурированная и обработанная льняным маслом и скипидаром, что придает ей вид лака. Фигуры и формы словно плывут по холсту, перемещаясь между задним и передним планом. Самая большая фигура вырисовывается слева с головой, напоминающей маску, а самая маленькая, видимая справа, имеет маску, напоминающую лицо птицы, под которой из столбика коричневой краски выглядывает пара глаз.

Крис Офили (род.1968)

"Нет женщины, не плачьте". 1998 г. No Woman No Cry - это дань уважения лондонскому подростку Стивену Лоуренсу, который был убит в результате нападения на расовой почве в 1993 году. Общественное расследование расследования убийства пришло к выводу, что столичная полиция была институционально расистской. Изображенная женщина — мать Стивена, Дорин. В каждой ее слезе — коллаж с изображением лица Стивена Лоуренса, а слова «RIP Stephen Lawrence» едва заметны под слоями краски. Помимо этой конкретной отсылки, художник хотел, чтобы картина воспринималась как универсальное изображение меланхолии и горя. Офили назвал работу в честь песни ямайского музыканта Боба Марли 1974 года.

Майкл Армитидж (род. 1984 г)

"Земля обетованная". 2019 г. "Земля обетованная" отражает политические демонстрации после всеобщих выборов 2017 года в Кении, стране рождения Армитиджа. Толпы протестующих вышли на улицы по всей стране, чтобы оспорить результаты выборов, в результате чего погибло по меньшей мере сорок пять человек. Картина объединяет исторические повествования и средства массовой информации с собственными воспоминаниями Армитиджа и интерпретациями современной Кении. Баннер, который держит протестующий в левой половине работы, отсылает к мотиву обнаженной натуры в истории европейского искусства, проводя параллель между политическими идеями и эстетическими вкусами. В правой половине тела людей преображаются под воздействием слезоточивого газа. Работа написана на лубуго, ткани из коры, которая имеет культурное значение для народа баганда в Уганде и традиционно используется в качестве погребального савана.

Соня Бойс (род.1962 г.)

"Миссионерская позиция II". 1985 г. Миссионерская позиция II» черпает вдохновение из пересечения разных культур. Бойс использует себя в качестве модели для обеих фигур, отражая ее растущую антипатию к своему христианскому воспитанию. Молящаяся фигура предполагает пассивное принятие, тогда как фигура справа предлагает альтернативную позицию. Повязка на голову, принятая в Великобритании и странах Карибского бассейна в 1970-х годах, вдохновлена ​​растафари и отражает растущее чувство культурной свободы и единства среди африканской диаспоры. Напротив, название «миссионерская позиция» представляет собой метафору роли христианских миссионеров в насаждении колониального правления и угнетения.