Галерея «Тейт Британия». Часть 3-я

Джеймс Джебуса Шеннон (1862 - 1923)

"Цветочница". 1900 г. Написано, когда художник и его семья отдыхали в Истборне в 1900 году. Женщина была цветочницей, которую они регулярно встречали каждое утро по пути на пляж.

Энни Луиза Суиннертон (1844 - 1933)

"Ореады". 1907 г. Эта работа, вероятно, иллюстрирует сцену из древнегреческой поэмы «Дионисия». Зевс, бог неба, затопил землю. Ореады (горные духи) вынуждены искать безопасное место на возвышенности. Радуга указывает на то, что буря закончилась, хотя неясно, выживет ли фигура в правом нижнем углу. В 1922 году Энни Суиннертон стала первой женщиной, избранной в Королевскую академию художеств за более чем 150 лет. Суиннертон также участвовал в борьбе за права женщин. Некоторые из ее натурщиков и сторонников были ведущими фигурами женского избирательного движения.

Энни Луиза Суиннертон (1844 - 1933)

"Выздоравливающая". Около 1887 г.

Энни Луиза Суиннертон (1844 - 1933)

"Заново воскресшая надежда". 1904 г. Суиннертон была яркой фигурой на лондонских выставках 1890-х годов. Ее сюжеты, изображенные ярко, напрямую привлекают зрителя. В ее работах есть непосредственность, которая волновала поклонников и раздражала недоброжелателей, поскольку обе группы признавали независимость Суиннертона от художественных условностей.

Филипп Уилсон Стир (1860 - 1942)

"Сидящая обнаженная:Черная шляпа". 1900 г. Уилсон Стир, один из самых импрессионистичных британских художников. Натурщицы позировали своими обнаженными телами в повседневной обстановке. Здесь модель игриво примеряет шляпу, которую нашла в мастерской. Стир не выставлял этот эскиз, и он был выбран для галереи Тейт прямо из его студии в 1941 году тогдашним директором сэром Джоном Ротенштейном. Стир сказал ему: «Друзья сказали мне, что шляпа испортила картину; они считали неприличным, чтобы обнаженная натура была в шляпе, поэтому ее никогда не показывали».

Уильям Орпен (1862 - 1937)

"Зеркало". 1900 г. На этом портрете изображена Эмили Скоубл, модель из Художественной школы Слэйда. Орпен был с ней ненадолго помолвлен. Комната, по-видимому, является точным изображением жилища Орпена, но неглубокая живописная глубина и декоративное, или «эстетическое», расположение предметов основаны на знаменитом портрете его матери Уистлер в профиль. В круглом зеркале на стене отражается художник, рисующий за мольбертом.Этот прием Орпен позаимствовал с картины Яна ван Эйка 15-го века « Портрет Арнольфини» , которую он мог бы увидеть на выставке в Национальной галерее.

Гвен Джон (1876-1939)

"Автопортрет". 1902 г. Гвен Джон обучалась в Школе искусств Слэйда в Лондоне с 1895 по 1898 год. Как женщине в отрасли, в которой до сих пор доминируют мужчины, Джон пришлось бороться за признание. Было высказано предположение, что самоанализ этого изображения отражают ее опыт, как художника. В последние годы репутация Джон выросла, и она широко известна своими интимными портретами и тонким использованием цвета.

Гвен Джон (1876-1939)

"Хлоя Боутон-Ли". Около 1904 - 1908 гг. Гвен Джон поселилась в Париже в 1904 году, работая моделью и погружаясь в художественный мир города. Она прожила во Франции до конца своей жизни, выставляясь по обе стороны Ла-Манша. Представленный здесь портрет принадлежит Хлое Боутон-Ли, близкой подруге художника. Вероятно, он был написан в чердачной комнате и мастерской Джон в Париже. Тонкая цветовая гамма, короткий передний план и неформальная поза модели создают интимную атмосферу.

Филипп Уилсон Стир (1860 - 1942)

"Миссис Киприан Уильямс и ее две маленькие дочки". 1891 г. На необычную перспективу этой композиции, смотрящую на предмет свысока, повлияли работы французского художника Эдгара Дега и дизайн японских гравюр. Он используется для передачи чувства клаустрофобии и замкнутости. Жена коллекционера произведений искусства Хелен Киприан Уильямс была успешным художником-любителем, известным своими отличительными чертами лица и непостоянным темпераментом. Неловкое смещение масштаба от миссис Уильямс к ее дочерям — и ее отведенный от них взгляд, погруженный в размышления — усиливает некое неопределенное чувство разделения. Ее неподвижность приглашает нас поразмышлять о том, что происходит в ее голове.

Сильвия Панкхерст (1882 - 1960)

"На краю горшка: отделка краев необоженных тарелок на вихревой машине". 1907 г. Одна из работ гуашью в коллекции Тейт из серии « Работницы Англии» художницы и борца за права женщин Сильвии Панкхерст.На нем изображены мужчина и женщина-гончар за работой в небольшой гончарной мастерской. Женщина работает на токарном станке, на котором вращается горшок, а мужчина оттачивает форму высушенного горшка с помощью острого металлического инструмента. Яшмовая посуда была цветной каменной посудой, которую Джозайя Веджвуд представил в 1774 году на фабрике Веджвуда в Сток-он-Трент и которой он прославился, но к 1900-м годам она также производилась другими гончарными мастерскими.

Сильвия Панкхерст (1882 - 1960)

"Старомодная керамика,посуда из яшмы.1907 г. Одна из работ гуашью в коллекции Тейт из серии « Работницы Англии» художницы и борца за права женщин Сильвии Панкхерст. На нем изображена работница, стоящая за верстаком и обрабатывающая края тарелок на маленьком вращающемся столе, известном как «вихревой». Potbank — это разговорное название гончарной фабрики в Стаффордшире. Было высказано предположение, что этот термин возник из-за того, что Джозайя Веджвуд использовал гончарные изделия для изготовления форм по его спецификации, держа запасы на их складах, называемых банками, до тех пор, пока он не требовал их для украшения изделий.

Гарольд Гилман (1876 - 1919)

"Мадлен Нокс". Около 1910 - 1911 гг. Этот портрет художницы Мадлен Нокс мало что говорит о ее профессии или характере. Вместо этого спокойная домашняя обстановка, нежные цвета и пестрые мазки создают медитативную атмосферу. Задумчивая поза Нокс загадочна: она теребит свое пальто, но непонятно, то ли она только что откуда-то вернулась, то ли собирается уходить. Гилман умер во время послевоенной эпидемии гриппа в возрасте 43 лет.

Эдуар Вюйар (1868 - 1940)

"Девушка в интерьере". Около 1910 г. Вюйар был связан с группой молодых художников, известных как Наби, чей антинатуралистический декоративный стиль находился под влиянием Гогена. Он часто использовал друзей в качестве моделей, но не был портретистом в традиционном смысле этого слова. «Я не делаю портреты, — сказал он однажды, — я рисую людей в их домах». Он одержимо изучал предметы повседневного обихода и обстановку интерьеров среднего класса и представлял свои модели такими, какими их мог увидеть друг или член их семьи. Моделью здесь является мадам Альфред Савуар, известная как Миш, знакомая с другом и дилером Вюйара, Жосом Хесселем.

Спенсер Гор (1878 - 1914)

"Девушка из Северного Лондона". Около 1911 -1912 гг. Camden Town Group проводила регулярные собрания по субботам после обеда в комнатах, которые Сикерт арендовал на Фицрой-стрит. Здесь посетителям показывали новые работы, угощали чаем и приглашали купить картины. На портрете Гор изображена женщина, которая подавала чай в таких случаях и поддерживала порядок в комнатах. Хотя Гор, пожалуй, наиболее известен своими пейзажами, городскими сценами и театральными картинами, он был одаренным и чувствительным портретистом, хотя никогда не выполнял официальных заказов. Здесь он уделяет столько же внимания фактурам, узорам и цветам одежды своей натурщицы и ее окружению, сколько и ее лицу.

Гарольд Гилман (1876 - 1919)

"Миссис Маунтер за завтраком". Около 1916 - 1917 гг. Гилман был членом Камденской группы художников, чья приверженность изображению повседневной жизни отражена в этой работе. Миссис Маунтэр была квартирной хозяйкой художника. Он показывает ее с пустым, возможно меланхолическим выражением лица. Кажется, что над ней почти доминируют самый обычный чайник, кувшин и чашки, которые, возможно, говорят о простой жизни. Такая простота в картине показалась бы радикальной публике, привыкшей видеть более роскошные сюжеты.

Брюс Тернер (1894 - 1963)

"Павлова". 1912 г. На этой картине изображена балерина Анна Павлова, которая трижды выступала в Лидсе, родном городе Тернера, в 1912 году. В то время выступление Павловой было названо «событием века». Тернер написал эту работу в том же году, что и важная выставка итальянского футуристического искусства в Лондоне, которая привлекла значительное внимание прессы. Здесь он исследует фундаментальную проблему футуристов — описание движущейся фигуры. Показывая сходство с работами итальянского футуриста Джино Северини, фрагментарная и умноженная фигура танцовщицы дает живое ощущение ее прохождения через пространство.

Джейкоб Эпштейн (1880 - 1959)

"Эстер". 1930 г. В течение 1930-х годов Эпштейн смоделировал более сотни портретов, начиная от заказов выдающихся людей и заканчивая бюстами любимых моделей. Эстер была артисткой ночного клуба и профессиональной моделью художника. Энергично смоделированные поверхности этого бронзового бюста являются примером огромной жизненной силы, которую Эпштейну удалось привнести в свою работу в то время, будь то смоделированные портретные бюсты или творческая резьба по камню.

Стэнли Спенсер (1891 - 1959)

"Магазин шерсти". 1939 г. Эта картина Стэнли Спенсера была вдохновлена ​​визитом художника в магазин шерсти со своей подругой Дафной Чарльтон во время пребывания в сельской местности Глостершира в конце 1930-х годов. Композиция The Woolshop резко разделена между передним и задним планами. На переднем плане поворачивает голову женская фигура с длинными и распущенными светлыми волосами; она прижимает моток шерсти к своему джемперу, чтобы сравнить цвета. Женщину сопровождает мужская фигура, которая, склонив голову, протягивает петлеобразные мотки своему спутнику, что можно рассматривать как создание своего рода ореола над ее головой

Анри Матисс (1869-1954)

"Стоящая обнаженная". 1907 г. Упрощенные, угловатые плоскости и преувеличенные черты этой обнаженной натуры предполагают влияние резных фигур. Интерес Матисса к африканскому искусству начался примерно в 1906 году и, вероятно, отразился в этой картине. Основанный на фотографии, а не на модели, он подрывает традицию академической студийной обнаженной натуры. Строгие цвета - это отход от яркости раннего фовистского периода Матисса.

Уолтер Ричард Сикерт (1860 - 1942)

"Брайтон, Пьеро". 1915 г. Сикерт написал эту работу в начале Первой мировой войны, и в ней царит всепроникающая атмосфера странности и меланхолии. Группа артистов водевиля выступает на набережной Брайтона под заходящим солнцем и искусственным освещением сцены. Многие шезлонги пусты, что, возможно, намекает на отсутствие стольких мужчин на войне; стрельбу Западного фронта иногда можно было услышать вдоль южного побережья Англии. На фоне этого и темно-розового неба исполнители кажутся немного смешными, если не сказать жалкими.

Спенсер Гор (1878 - 1914)

"Rule Britannia". 1910 г. На этой картине изображен финал популярного патриотического балета « Наш флаг», премьера которого состоялась в Театре эстрады «Альгамбра» на Лестер-сквер в декабре 1909 года. Главную роль в нем сыграла датская балерина Бритта Петерсен, которая исполняет финальный танец в пачке «Юнион Джек». Гор подчеркивает необычные цвета сценического освещения, которые контрастируют с унылостью зрительного зала. Гор был очарован театром, балетом и мюзик-холлом. Многие из его картин основаны на рисунках, которые он сделал со своего места в зале.

Джон Сингер Сарджент (1856-1925)

""Вальд'Аоста". 1908 - 1910 гг.

Ричард Паркс Бонингтон (1802-1828)

"Вид га Сент-Омер вдалеке". 1824 г. Бонингтон родился недалеко от Ноттингема, но в 1817 году вместе с родителями переехал в Кале. Там они открыли кружевной бизнес, а в следующем году поселились в Париже. Большая часть его короткой жизни прошла во Франции. Делакруа был не единственным, кто восхищался его «чудесным владением эффектами и легкостью исполнения». Сначала работая акварелью, Бонингтон начал рисовать маслом, примерно в 1823 году. Он провел большую часть 1824 года в Дюнкерке и, вероятно, в том же году написал этот вид на Сен-Омер с дороги Булонь-Кале.

Уильям Мактаггарт (1835 - 1910)

"Летний закат - Тир-нан-ог". 1880 г. Летом МакТаггарт регулярно останавливался в крошечной рыбацкой деревушке Махриханиш на западном побережье Шотландии, где и написал эту картину, вероятно, на открытом воздухе. Для него необычно не включать фигуры, так как он часто использовал деревенских детей в качестве моделей. Он добавил к этой картине название Тир-нан-ог, которое является названием легендарного кельтского рая на Западе. Как и многие шотландские художники и коллекционеры, МакТаггарт восхищался Джозефом Исраэлсом и Гаагской школой художников-пейзажистов, чьи работы похожи на его. Джеймс Коу, завещавший эту картину, был директором Национальной галереи Шотландии и автором биографии МакТаггарта, опубликованной в 1917 году.

Спенсер Гор (1878 - 1914)

"Пепельная тропа". 1912 г. Летом 1912 года Гор уехал погостить в новый город Летчворт. Здесь он нарисовал некоторые из наиболее авангардных пейзажей своей карьеры, используя стилизованные формы и яркие цвета. Пепельная тропа показывает место на окраине Летчворта. Точка зрения Гора означает, что дорожка, сделанная из промышленных отходов, отступает вертикально на середину, а вокруг нее устраиваются поля и живые изгороди. Это была одна из немногих британских картин, выставленных во влиятельной Второй постимпрессионистской выставке.

Уильям Рэтклифф (1870 - 1955)

" Пригород Хэмпстед-Гарден от Уиллифилд-Уэй". 1914 г. Строительство общественных железных дорог привело к росту пригородов, что стало возможным добираться издалека. Рэтклифф жил в пригороде Хэмпстед-Гарден, новом комплексе, построенном в 1907 году между Голдерс-Грин и Ист-Финчли. Он был разработан филантропом г-жой Генриеттой Барнетт, которая купила большое количество земли и построила жилые районы для ремесленников, среднего класса и более состоятельных людей. Это вид с башни, которая является частью сада Хэмпстед.

Стэнли Спенсер (1891 - 1959)

"Сборщики яблок". Около 1912 - 1913 гг. Сюжет этой картины был подарен Спенсеру его учителями в Художественной школе Слэйда. Сцена была подсказана местом на Одни-Коммон в его родной деревне Кукхэм. Спенсер писал о картине: «В «Сборщиках яблок» нет никакого символического значения, и я не могу объяснить тот факт, что я разделил полы - женский и мужской». Искажения формы и масштаба показывают интерес Спенсера к картинам французского художника-постимпрессиониста Поля Гогена, которые он видел в Лондоне.

Кристофер Вуд (1901 -1930)

"Прощание с рыбаком". 1928 г.

Дора Кэррингтон (1893 - 1932)

"Ферма в Ватендлате". 1921 г. Кэррингтон была частью успешного поколения выпускников Художественной школы Слейда в начале 20 века. Она была связана с группой писателей и художников Блумсбери, которые вместе жили, работали и учились в Лондоне. На этой картине изображена ферма недалеко от Кесвика в Озерном крае, где новобрачная Кэррингтон провела летние каникулы со своим мужем и их друзьями. Критики предположили, что пейзаж был искажен, чтобы отразить изгибы женского тела. Две маленькие фигурки смотрят на пейзаж, возможно, созерцая собственную женственность.

Кристофер Вуд (1901 -1930)

"Зебра и парашют". 1930 г. Друг поэта-сюрреалиста Рене Кревеля, Вуд написал небольшое количество картин, которые, кажется, отражают стремление движения использовать неожиданное. Его размещение зебры возле модернистского дома Ле Корбюзье, виллы Савойя (тогда еще строившейся), предполагает преднамеренное противостояние сюрреалистического и функционального стилей, которые тогда доминировали в Париже. Смущает образ фигура парашютиста. Это была одна из последних работ Вуда: в параноидальном состоянии он попал под поезд в августе 1930 года.

Фредерик Кейли Робинсон (1862 - 1927)

"Пастораль". 1923 - 1924 гг.

Грэм Белл (1910 - 1943)

"Довер Фронт". 1938 г. Белл написал эту картину во время поездки в Дувр в 1938 году, чтобы выполнить заказ для International Business Machines Corporation. Тщательно проработанные детали отеля слева, белые как мел скалы и крепостные валы типичны для реализма школы Юстон-Роуд, с которой Белл был тесно связан. Хотя художник рисовал на месте, возможно, он использовал фотографию, показанную слева, для работы над деталями в своей студии.

Уильям Колдстрим (1908 - 1987)

"На карте". 1937 г. На этом снимке Колдстрим показывает коллегу-художника Грэма Белла, стоящего с картой, и его друга Игоря Анрепа, сидящего на земле. Если смотреть сзади, они смотрят на пейзаж, по-видимому, не замечая присутствия художника. Это тщеславие напоминает такие картины, как «Женщина в туалете» Дега, которую Колдстрим похвалил за «беспристрастное наблюдение». Такое наблюдение должно было стать основной частью его живописи с 1937 года.

Фрэнсис Ходжкинс (1869 - 1947)

"Флэттфорд Милл". 1930 г.

Клифф Роу (1904 - 1989)

"Уличная сценка на Кентиш Таун". Около 1931 г. Также известен как Клифф Роу. Художник и иллюстратор родился в Уимблдоне, Южный Лондон. Роу (1904–1989) учился в Уимблдонской школе искусств (1918–1920) и Королевском колледже искусств (1920–1922). Помимо живописи, Роу занимался дизайном суперобложек и иллюстрациями для книг, выполнял рекламные заказы для лейбористского правительства Эттли, дизайн для Британского фестиваля 1951 года, коммерческую работу для профсоюзов и ряд иллюстраций для политических публикаций. Большая часть работ Роу находится в коллекциях Музея народной истории.

Чарльз Джиннер (1878 -1952)

"Площадь Пикадилли". 1912 г. Площадь Пикадилли была самым оживленным перекрестком Лондона, и к 1910 году на ней уже доминировала знаменитая иллюминированная реклама. Здесь Джиннер передает дерзость и суету этого воплощения современного города. Ощущение того, что продавец цветов находится в заточении среди автомобилей и автобусов, подчеркивается низким ракурсом композиции, а проезжающий автобус рекламирует новейшее шоу мюзик-холла.

Л.С. Лоури (1887 - 1976)

"Выход из школы". 1927 г. Как и многие картины Лоури, это не изображение конкретного места, а основано на воспоминаниях о школе, увиденной в Ланкашире. Сочетание наблюдательности и силы воображения Лоури часто создавало изображения, которые передают глубоко прочувствованное ощущение места, с которым другие могли себя идентифицировать. Например, в 1939 году Джон Ротенштейн, тогдашний директор галереи Тейт, посетил первую персональную выставку Лоури в Лондоне и позже писал: «Я стоял в галерее, поражаясь точности зеркала, которое этот неизвестный мне художник держал перед унылость, старомодная убогость, грязная туманность, угрюмость северной индустриальной Англии». Затем эта работа была куплена попечителями.

Марк Гертлер (1891 - 1939)

"Карусель". 1916 г. Эта работа была написана в разгар Первой мировой войны, которая, кажется, является ее сюжетом. Мужчины и женщины в неподвижных позах, их рты безмолвно плачут в унисон, кажутся пойманными в ловушку бесконечно вращающейся карусели. Гертлер отказался от военной службы по соображениям совести. Он жил недалеко от лондонского Хэмпстед-Хит и, возможно, был вдохновлен ежегодной ярмаркой, проводимой там для раненых солдат. Ярмарка атракционов, традиционно ассоциирующаяся с удовольствием и развлечением, ужасающим образом превращается в метафору неумолимой военной машины. Он объяснил: «В последнее время на меня вновь обрушился весь ужас войны».

Кристофер Ричард Уинн Невинсон (1889 - 1946)

"Разорвавшаяся раковина". 1915 г. Одна из самых апокалиптических картин Невинсона, «Разорвавшаяся раковина» использует четкие линии и завихрения футуристических композиций, чтобы воссоздать эффект взрыва. Темные формы, которые могут быть осколками мусора или тенями, ломают то, что кажется кирпичами и древесиной зданий и дорог. Сильный фокус вихря с его ярким светом и головокружительной спиралью имитирует дезориентирующий сенсорный опыт взрыва.

Кристофер Ричард Уинн Невинсон (1889 - 1946)

"Митральеза". 1915 г. Невинсон присоединился к итальянским футуристам, которые прославляли и приветствовали насилие и механизированную скорость современности. Но его опыт работы водителем скорой помощи во время Первой мировой войны изменил его мнение. В его картинах фронта солдаты сведены к серии угловатых плоскостей и серых тонов. Здесь они выглядят почти как машины, теряя свою индивидуальность, даже свою человечность, поскольку они, кажется, сливаются с пулеметом, который дал название этой картине.

Уильям Орпен (1862 - 1937)

"Зоннебеке". 1918 г. Орпен был официальным военным художником британской армии во время Первой мировой войны. На его картинах того времени изображены раненые и мертвые солдаты на полях сражений. Он пытается приблизить зрителя к физическому и эмоциональному опыту войны. Зоннебеке в Бельгии был ареной битвы при Пашендале в 1917 году. В результате с обеих сторон конфликта были убиты сотни тысяч солдат. Здесь Орпен представляет устрашающе безмолвное и стилизованное видение жестокости войны.

Глин Уоррен Филпот (1884 -1937)

"Отдых на пути в Египет". 1922 г. Глин Филпот предлагает необычную интерпретацию темы Святого Семейства, отдыхающего во время бегства в Египет, включив мифологические фигуры, включая сфинкса, сатира и трех кентавров. Представление Филпота о мифологических существах отсылает к языческим мифам о безудержной сексуальности, и подразумевается, что их заменит новая религия - христианство. Святое семейство укрывается от огромной скульптуры из разрушенного здания, фрагменты которой видны на заднем плане. Это похожее на сон произведение было истолковано, как попытка Филпота примирить его приемный католицизм и его сексуальное влечение к другим мужчинам.

Уинифред Найтс (1899 - 1947)

"Всемирный потоп". 1920 г. Найтс был одним из нескольких британских художников, которые участвовали в возрождении религиозных образов в 1920-х годах, сохранив при этом некоторые элементы современного стиля. Тема этой работы – Ветхозаветный потоп. На переднем плане люди бегут от поднимающихся вод к возвышенности, а Ноев ковчег спокойно плывет вдали справа. Частое использование слова «потоп» в качестве метафоры всепоглощающей Первой мировой войны придало бы картине современный резонанс.

Уильям Робертс (1895 - 1980)

"Кино". 1920 г. Ранние работы Робертса были абстрактными, и он присоединился к группе вортицистов Уиндема Льюиса. После Первой мировой войны он сделал себе имя как художник повседневных современных сцен. Хотя кино было изобретено в конце 19 века, оно достигло новых высот сложности и популярности в 1920-х годах, в эпоху Чарли Чаплина, Бастера Китона и подъема Голливуда. До 1927 года фильмы были немыми и сопровождались живой музыкой. Многие мюзик-холлы, традиционные места народных развлечений, были приспособлены для показа фильмов.

Реджинальд Брилл (1902 - 1974)

"Безработный". 1934 - 1936 гг. Безработный c.1934–1936 - это большая картина маслом, на которой изображены четверо мужчин в потертых пальто и шляпах, идущих в линию вдоль кирпичной стены и тротуара. Второй из мужчин держит свою кепку в руке, как будто собираясь попросить денег, а мужчина позади него, кажется, скандирует или поет, подразумевая, что они могут быть частью большей группы. Работа написана в мрачной палитре коричневых, серых и темно-красных тонов. Предметом работы являются марши голода, которые имели место в Великобритании в 1930-х годах и которые Брилл был свидетелем из первых рук, опыт, который глубоко повлиял на него. Хотя марш Джарроу 1936 года является самым известным из них, было много других, включая «Национальный марш безработных в Лондон» в 1932 году. Брилл впервые начал работать над этой темой в 1933 году и показал еще одну картину под названием "Безработный" на своей выставке в Leicester Galleries в Лондоне в 1933 году.

Клайв Брэнсон (1907 - 1944)

"Продажа журнала "Daily Worker за пределами Proectile Engineering Works". 1937 г. Продажа Daily Worker возле Projectile and Engineering Works показывает мужчину и женщину, вероятно, жену художника, которые продают экземпляры коммунистической газеты Daily Worker возле здания. Завод по производству боеприпасов в Баттерси, где тогда жил Брэнсон. Надпись «За единство», размещенная обоими продавцами на фартуках, предположительно относится к кампании коммунистов за единый фронт против фашизма. Брэнсон стал членом Коммунистической партии в 1932 году и оставался ее активным членом на протяжении всей своей жизни. Гарри Поллитт (1890–1960), генеральный секретарь Коммунистической партии Великобритании, так описал его: «Ничто не было для него чрезмерным: продажа Daily Workerв Клэпхэм-Джанкшн, агитационные кампании по домам, продажа литературы, обсуждение социальных проблем и отправление правосудия — все те мелочи, которые составляют несокрушимую основу движения». В центре картины красное зарево фабричной печи, из которой рабочие словно извергаются на улицу. В левом верхнем углу фигуры выглядывают из окна. Тема военного завода в довоенные годы имела широкий резонанс, особенно среди коммунистов, которые считали главными жертвами, будущей войны, рабочих, убитых при защите капитализма.

Петер Ласло Пери (1899 - 1967)

"Час пик". 1937 г. Это работа с низким рельефом, на которой изображены мужчины и женщины, садящиеся в двухэтажный лондонский автобус, битком набитый сидящими пассажирами. Они толпятся вокруг тротуара и поднимаются по винтовой лестнице в задней части автобуса, а кондуктор наблюдает за ними. Уличная сцена также включает велосипедиста, проезжающего мимо автобуса по правой стороне, и еще одного автобуса дальше. Сцена сочетает реализм и абстракцию в точном наблюдении за действиями людей в повседневных ситуациях на фоне упрощенных прямоугольных форм двух автобусов. Работа выполнена в цветном бетонном барельефе, серые, голубые и терракотовые формы людей и автобусов на бледно-сером фоне.

Петер Ласло Пери (1899 - 1967)

" Building Job". 1937 г. В 1930-е годы Пери создал ряд скульптур рабочих по эскизам, сделанным им в Лондоне. На этом рельефе изображены двое рабочих, наблюдающих за опусканием металлической балки. Человек на переднем плане сигнализирует человеку вдалеке, чтобы показать, как следует опустить балку. Пери переехал в Англию из Будапешта в 1933 году и начала выставляться с Международной ассоциацией художников. Он писал, что его интересуют «люди, то, как они живут, и их отношения».

Фрэнк Добсон (1888 - 1963)

"Мужчина - ребенок". 1921 г. Добсон учился как художник и скульптор, но сосредоточился на скульптуре после активной службы во время Первой мировой войны. Как и многие его современники, он черпал вдохновение для своих работ в этнографических коллекциях Британского музея. Он особенно восхищался резными фигурками из Конго в Африке. Такой интерес к тому, что считалось «менее цивилизованными» культурами, стал более распространенным после «изощренного» разрушения войны. Здесь, после конфликта, Добсон возвращается к фундаментальным человеческим отношениям. Мужское дитя из названия сливается с двумя женскими фигурами, которые, кажется, олицетворяют материнскую защиту, выражая как радость, так и страх перед новой жизнью.

Барбара Хепуорт (1903 - 1975)

"Фигура женщины". 1929 г. Хепуорт была одной из многих скульпторов, вернувшихся к ручной резьбе. В результате непосредственность отношения художницы к своему материалу имела решающее значение. Она описала свой процесс как «попытку найти личное согласие с камнями… Я была очарована формой, которая вырастала из каждой скульптуры, и формой, которая вырастала из достижения личной гармонии с камнем». Как и другие, она закупала широкий ассортимент местных британских камней. Эта фигура сделана из камня Корсхилл, красного песчаника, добытого в Дамфрисшире. Этикетка галереи, июль 2007 г.

Рубен Медникофф (1906 -1972)

"Декабрь,31". 1937 г. Британский художник-сюрреалист. Медников родился в Лондоне в 1906 году в еврейской семье русского происхождения. Он обучался в Школе искусств Святого Мартина . Он был женат на Грейс Пейлторп , хирурге и художнице на 23 года старше его.

Эйлин Агар (1899 -1991)

"Автобиография эмбриона". Около 1933 - 1944 гг. Агар сделал эту работу «праздником жизни, не только отдельно взятой, но и жизни вообще». Здесь она вызывает развитие эмбриона. В каждом из четырех разделов смешаны символы жизни и смерти, изображения морских растений и животных. Эти образы, кажется, предполагают коллективные воспоминания, которые эмбрион несет в мир. Это отражает растущее внимание к бессознательному в европейском искусстве того времени. Агар видел в этом интересе установление «господства женского типа воображения над классическим и более мужским порядком».

Эдвард Уодсворт (1889 - 1949)

"Бронзовый балет". 1940 г. Эта сцена в гавани основана на Гавре на севере Франции. Хотя это мирная сцена, она была написана в первые годы Второй мировой войны в Марсфилде в Суссексе. Оттуда Уодсворт мог слышать бомбардировку французских портов немецкими войсками. Уодсворт нарисовал множество коллекций морских объектов, подобных этой. Его интересовал анимизм – оживление неодушевленных предметов. Здесь формы корабельных винтов предполагают движение или танец, а также намекают на функцию, которую они будут выполнять в море.