Турист Андрей (Ciriulic)
Андрей — был сегодня 1:13
"Фотографированные картины" - это тоже круто!.. )))
Фотоальбом

Лондонская национальная галерея. Часть 5-ая

Лондонская национальная галерея — музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII — начала XX века. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.

Сегодня заключительная часть из серии альбомов майской поездки.

Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
"Поклонение пастухов". 1633 г. Пастухи преклоняют колени и встают, чтобы прославить младенца Иисуса под наблюдением Иосифа и Девы Марии. Каменная арка обрамляет более ранний эпизод: те же пастухи падают от удивления, когда в облаках появляется ангел, чтобы возвестить им о рождении Христа. Следуя старой традиции в живописи, Пуссен рисует эти две сцены так, как будто они происходят одновременно, а архитектура разделяет действие на расстоянии и на переднем плане.
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
"Поклонение пастухов". Около 1640 г. Группа собирается вокруг яслей, чтобы поклониться новорожденному Христу. Справа Дева Мария и Иосиф благоговейно смотрят на младенца вместе с двумя маленькими ангелами. Слева два юноши и старик босой: это пастухи, упомянутые в Евангелии от Луки (2:8–20). Эта сцена происходит в руинах классического здания, а не в конюшне, описанной в Библии, что символизирует упадок старого языческого мира с появлением христианства. Неизвестно, кто из трех братьев Ленен — Антуан, Луи и Матье — написал эту картину, но это одна из величайших работ, созданных ими.
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
"Трое мужчин и мальчик". Около 1647-1648 гг. Эти трое, вероятно, братья-художники Антуан, Луи и Матье Ленены. Их носы и подбородки предполагают фамильное сходство, а то, как мужчина в центре смотрит на нас, напоминает о традициях автопортрета. Костюмы с их широкими воротниками предполагают дату конца 1640-х или начала 1650-х годов, но если это портрет братьев, то он не может быть позже 1648 года — года смерти Людовика и Антуана. Их смерть может объяснить, почему картина незакончена.
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677)
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677)
"Женщина и пятеро детей". 1642 г. Женщина и пятеро детей втиснуты в маленькое пространство. Трудно сказать, где они находятся или каковы их взаимоотношения друг с другом; их отдельные выражения лица, которые кажутся несвязанными, кажутся главными в центре внимания. Яркие цвета детской одежды выделяются на темном фоне. Странное положение женщины говорит о том, что художнику было трудно вписать ее в сцену: перспектива выглядит неправильно, и скатерть, возможно, была добавлена, чтобы скрыть эту ошибку. Терракотовый кувшин, чаша и тонкое стекло раскрашены с мельчайшим вниманием к деталям. Белая скатерть подчеркивает достоинство, а пустые сосуды говорят о бедности. Тот факт, что картина была написана на меди яркими насыщенными красками, свидетельствует о том, что это был предмет роскоши. Возможно, им владел кто-то, кто раздавал милостыню бедным, а это портреты брошенных детей, о которых заботятся более богатые благотворители.
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
Братья Ленэн (Антуан (1600-1648);Луи (1603-1648);Матье (1607-1677))
"Четыре фигуры за столом". Около 1643 г. В этой мрачной сцене крестьянка, молодая девушка и двое детей сидят за столом в унылой комнате. Девушка и женщина постарше смотрят прямо на нас, их нахмуренные брови, поджатые губы и напряженные взгляды создают ощущение меланхолии или отчаяния. Мальчик сосредоточенно нарезает хлеб, довольно улыбаясь, его шляпа игриво сдвинута набок. На заднем плане из мрака появляется молодая девушка — ее вид похож на привидение, ее руки сцеплены вместе, ее взгляд прямой и тревожный. Семья обеднела, но осталась достойной: одежда у них простая, но не ветхая и не рваная. Трое братьев Ленен — Антуан, Луи и Матье — нарисовали множество сцен из повседневной жизни крестьян в сельской Франции.
Валентин де Булонь (1591-1632)
Валентин де Булонь (1591-1632)
"Четыре возраста человека". Около 1629 г. Четыре стадии человеческой жизни представлены фигурами с предметами, относящимися к их возрасту. Детство держит пустую ловушку для птиц, показывая свою невинность и наивность: он упустил птицу. Молодость играет на лютне, символизирующей удовольствие и желание. Взрослость в доспехах носит лавровый венок победителя и баюкает книгу. Старость расположена рядом с монетами, обозначающими жадность, и держит стакан, символизирующий хрупкость жизни.
Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
""Пейзаж с мужчиной,моющим ноги у фонтана". Около 1648 г. Когда картина была приобретена Национальной галереей, считалось, что умывающимся был Фокион, успешный политик Древней Греции, но сейчас это считается маловероятным. Пейзаж может быть вдохновлен описанием долины Темпе в Греции классическим автором, которого Пуссен наверняка читал.
Франсуа Милле (1642-1679)
Франсуа Милле (1642-1679)
"Горный пейзаж с молнией". Около 1675 г. Два человека, один из которых облачен в ярко-желтое и синее, переносят нас со своей высокой точки обзора в этот драматический пейзаж. Река ведет из левого нижнего угла через скалистое ущелье к озеру на среднем расстоянии, расположенному в долине под заснеженными горами. Над мирными лугами на берегу озера разразилась буря: из стремительно движущейся дождевой тучи по небу прорезает зубчатый вал молнии.
Пьер Патель (1605-1676)
Пьер Патель (1605-1676)
"Пейзаж с отдыхом по пути в Египет". 1652 г. В этом фантастическом пейзаже святое семейство — Дева Мария, Иосиф и Христос — останавливаются в своем путешествии рядом с заброшенным римским храмом. Среди осыпающихся колонн и фрагментированных арок сохранились ниши с античными статуями и резными рельефами. Богородица дает Христу инжир как символ ее добродетели и плодородия. Иосиф опирается на каменный жертвенник. Семья бежала в Египет, спасаясь от преследований Ирода, который приказал казнить всех младенцев, родившихся в Вифлееме. Бегство в Египет упоминается в Евангелии от Матфея, хотя «остальное», что мы здесь видим, относится к более поздней версии этой истории. Патель проигнорировал многие детали более поздней легенды. Здесь Мария и Христос находятся в тени дуба, а не пальмы, описанной в рассказе. Неповрежденная мраморная статуя богини стоит в нише справа, но согласно легенде, когда семья вошла в храм в Сотине, все идолы упали с алтаря.
Клод (1604-1682)
Клод (1604-1682)
"Пейзаж с Агарью и ангелом". 1646 г. Клод иллюстрирует ветхозаветную историю Агари, помещая ее в безмятежный пейзаж, залитый туманным солнечным светом. Агарь - египетская служанка, которая рожает ребенка от Авраама и убегает после ссоры с бездетной женой Авраама Сарой. Клод запечатлел страдания и отчаяние Агари: у нее закончилась вода в пустыне, она оставила своего сына Измаила под кустом и молится о спасении Бога. В Библии эта сцена происходит в пустыне, но Клод изображает зеленый пейзаж, напоминающий сельскую местность вокруг Рима. Согласно легенде, к Агари является ангел и дает ей воды. Однако Клод показывает крупную реку на заднем плане. Указывая на далекий город, ангел призывает Агарь вернуться к Сарре и Аврааму. Другой рукой он указывает на нее, передавая обещание Бога, что Измаил станет великим лидером.
Клод (1604-1682)
Клод (1604-1682)
"Морской порт с причалом святой Урсулы". 1641 г. Согласно легенде, святая Урсула, христианская принцесса из Британии или Бретани, совершила святое паломничество в Рим с 11 000 девственниц. Одетая в желтое и держащая флаг с красным крестом, Урсула наблюдает, как ее спутники отправляются в обратный путь. Они носят луки и стрелы, оружие, которое позже в истории символизирует их смерть. Баланс между мягким теплом неба и спокойным морем типичен для морских пейзажей Клода. Здания, деревья и корабли, изображенные в деталях, обрамляют сцену. Клод провел большую часть своей жизни в Риме: здания слева были вдохновлены теми, кто был знаком ему и владельцу этой картины, Фаусто Поллу (1581–1652), будущему кардиналу. Дворец был вдохновлен резиденцией могущественной семьи Барберини, самых влиятельных покровителей Клода, чей корабль с их эмблемой на флагах находится в центре.
Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
"Нимфа с Сатирами". Около 1627 г. Прекрасная нимфа, лежащая на переднем плане, кажется спящей, хотя может наслаждаться моментом одинокого экстаза. Рядом с ней златовласый ребенок наблюдает, как сатир — мужчина с козлиными ушами, рогами и ногами — осторожно снимает с нее нежную белую одежду. Еще один сатир выглядывает из-за дерева, озорно улыбаясь. В древнеримском искусстве сатиры изображались похотливыми пьяными лесными богами. Бледная кожа женщины, мягкие изгибы и румяные щеки контрастируют с загорелой кожей и мускулистыми телами сатиров. В прошлом предполагалось, что на картине изображен Юпитер, царь богов, и нимфа Антиопа, или, возможно, сатир, тревожащий спящую Венеру, богиню любви. Однако детали картины не совсем соответствуют ни одной из интерпретаций. Написанная примерно в 1627 году, это образец ранней работы Пуссена. Он был молодым художником, живущим в Риме без постоянного покровительства, и это, возможно, побудило его рисовать эротические сюжеты, которые понравились бы широкой публике.
Клод (1604-1682)
Клод (1604-1682)
"Морской порт". 1644 г. Этот нарисованный морской порт является воображаемой сценой, хотя архитектура основана на зданиях шестнадцатого века в Риме. Самое отдаленное здание сочетает в себе черты виллы Фарнезина и Палаццо Сенаторио. Богато украшенный вход в здание на переднем плане вдохновлен воротами в сады Фарнезе. Между этими двумя зданиями стоит Арка Тита, древнеримская достопримечательность.
Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
"Пейзаж с человеком,убитым змеей". 1648 г. Человек, которого укусила змея, лежит мертвый возле пруда: его тело обмякло, а кожа зеленовато-серая. Мы видим мужчину и женщину, жесты и движения которых выражают их страх и удивление. То, как построен пейзаж, раскрывает драму поэтапно: бегущий мужчина видит мертвеца и змею, женщина видит только убегающего мужчину, а рыбаки вдалеке видят только ее. Деревья используются для обрамления действия, а зигзагообразное размещение людей в пейзаже и чередующиеся области света и тени уводят наш взгляд глубже вдаль. Эта сцена, вероятно, навеяна печально известным кишащим змеями районом Фонди к юго-востоку от Рима, который, возможно, посетили Пуссен и владелец картины Жан Пуантель. Сюжет может быть основан на реальном событии, о котором Пуссен слышал или был свидетелем.
Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
"Воспитание Вакха". Около 1628 г. Младенец Вакх, бог вина, пьет из чаши, в которую сатир выжимает виноградный сок, представляющий вино. На картинах Вакха обычно изображают пьяным взрослым, но показывать, как он пьет алкоголь в таком юном возрасте, необычно. В « Метаморфозах » Овидия описывается, как тетя Вакха Ино наблюдает за ним. Вероятно, это сидящая женщина в синем; ее муж, Афамант, держит Вакха. Двое обнимающихся младенцев — их сыновья. История имеет трагический исход, когда ревнивая богиня Юнона сводит Ино и Атамуса с ума, а Атамус убивает одного из их сыновей. Пуссен может намекать на эту грустную историю через темные облака на заднем плане и козла, поскольку козы, съевшие виноград, были принесены в жертву. Мускулистые позы на этой картине показывают изучение Пуссеном классической скульптуры. Красочные драпировки и тонкие оттенки листвы вдохновлены венецианскими картинами шестнадцатого века.
Николя Пуссен (1594-1665)
Николя Пуссен (1594-1665)
"Кефал и Аврора". Около 1630 г. Аврора, богиня утренней зари, влюблена в смертного Кефала и пытается его соблазнить. Кефал, одетый здесь в синее, отворачивается от Авроры, отвергая ее ухаживания. Он смотрит на портрет своей жены Прокриды, которую держит крылатый амур. Позже, когда Кефал и Прокрида воссоединяются, каждый из них сомневается в верности другого. Их история заканчивается трагически, когда Кефал случайно убивает свою жену волшебным копьем. Слева от Авроры и Кефала лежит лежащий речной бог, вероятно, Океан, а рядом с ним крылатый конь Пегас. Фоновая фигура в венке из кукурузы и с цветами в руках могла быть Террой, богиней, связанной с пробуждающейся землей. Слабые очертания бога солнца Аполлона в его колеснице можно увидеть в ярком оранжевом небе. Эти фигуры относятся к Авроре как к богине утренней зари и времени суток.
Балтазар ван дер Аст (1593-1657)
Балтазар ван дер Аст (1593-1657)
"Цветы в вазе с ракушками и насекомыми". Около 1630 г. Эта картина — странный вымысел: розы и тюльпаны, сирень и лилии в виде змеиных голов не цветут одновременно, поэтому художник делал их рисунки и зарисовки в разное время года, а затем включал в свои картины изображение. В то время в Голландской республике процветали научные исследования и открытия. Как и в этой картине, искусство и наука часто шли рука об руку. Художники начали использовать недавно изобретенный микроскоп, чтобы рисовать в точных деталях растения и насекомых, таких как бабочки, сверчки и осы, приближающиеся к опавшим лепесткам роз. То, что рисует ван дер Аст, настолько реалистично, что объекты почти осязаемы. С одной стороны, они представлены как научные образцы, а с другой — как немеркнущее видение природы, которой никогда не могло быть в действительности.
Амброзиус Босхарт-старший (1573-1621)
Амброзиус Босхарт-старший (1573-1621)
"Натюрморт с цветами в вазе Ван-Ли". Около 1609-1610 гг. Тюльпаны, розы, жонкилии, гвоздики, рябчики и единственный голубой ирис собраны в китайской вазе; дорогие цветы в дорогом контейнере. Над всеми ними возвышаются лилии Мадонны, словно сияющие белые трубы на вершине букета, которые становятся немного менее царственными из-за крошечного жука, пробивающегося вверх по безупречно чистому лепестку. Другие насекомые играют в прятки в тени от листьев. Картина, вероятно, была сделана, чтобы произвести впечатление на одного из богатых бюргеров Мидделбурга, процветающего города, где жил художник. У такого человека был бы интерес, даже страсть, ко многим экзотическим растениям, выращиваемым в новых ботанических садах города. Так что работа Босхарта — это больше, чем прекрасная картина. Он показывает отдельные экземпляры, представляющие огромную ценность и научный интерес, и покупатель и его гости выставили бы свои лупы, чтобы предаться «науке смотреть».
Амброзиус Босхарт-старший (1573-1621)
Амброзиус Босхарт-старший (1573-1621)
"Цветы в стеклянной вазе". 1614 г. Если бы у картин был запах, то картины Амброзиуса Босхарта наполнили бы воздух экзотическим ароматом. Его множество разных цветов выставлено на темном фоне, чтобы показать их цвета, формы и текстуры в полной мере - бледные розы, желтые и белые нарциссы, одна желтая хризантема. Нежные лепестки фиолетового цикламена прячутся за его широким листом в тени у основания композиции, где рябчик склоняет голову рядом с бутоном красной розы. Сиреневый анемон кажется подвешенным в темном пространстве между двумя красивыми тюльпанами, одним белым, другим желтым, с красными прожилками пламени, гордо выделяющимися на фоне обилия лепестков под ними. Но розы, цикламены и нарциссы не цветут в одно и то же время года. Босхарт, вероятно, сделал акварельный рисунок каждого цветка, чтобы запечатлеть его цветение, а затем использовал эти рисунки, чтобы нарисовать их на более позднем этапе.
Ян Брейгель-Старший (1568-1625)
Ян Брейгель-Старший (1568-1625)
"Букет в глиняной вазе". Около 1609 г. Ян Брейгель Старший считается отцом-основателем жанра цветочных натюрмортов, в которых цветы являются не просто декоративными или аллегорическими аксессуарами, а единственным центром картины. Этот главный пример новаторских натюрмортов Брейгеля показывает впечатляющий букет с высокой точки зрения, чтобы все тщательно прорисованные цветы и насекомые были хорошо видны.
Виллем ван Алст (1627-1683)
Виллем ван Алст (1627-1683)
"Натюрморт с куропатками". 1671 г.
Рэйчел Рюйш (1664-1750)
Рэйчел Рюйш (1664-1750)
"Цветы в стеклянной вазе с цветами". 1716 г. Цветочные картины Рюйша полны движения. Она сочетает в себе мельчайшие детали с ощущением букета как органического целого. Здесь цветы вот-вот распустятся, полосатая канареечник колышется, а жимолость, кажется, наклоняется к зрителю. Эти эффекты стали более выраженными в течение долгой карьеры Рюйша. Великолепный тюльпан венчает вершину этого красочного сооружения. Глубокая светотень напоминает о более ранних работах Рюйша, но главное отличие этой картины от « Цветов в вазе » заключается в характерном для более поздних работ художницы ощущении обилия. В 1708 году ее исключительный талант был вознагражден престижным назначением придворной художницы курфюрста Палатина в Дюссельдорфе.
Дирк де Брей (1635-1694)
Дирк де Брей (1635-1694)
"Цветы в вазе из белого камня". 1671 г. Для этого букета де Брей отобрал только цветы, цветущие в одно и то же время года, в начале лета. Таким образом, целью художника было нарисовать естественный букет, а не воображаемый. Суровая красота этого букета сильно отличается от более типичных, густонаселенных композиций . Де Брей мастерски сбалансировал высоту пиона с висячими ипомеями. Палитра резко ограничена, красные и белые лепестки резко контрастируют с темным, непроницаемым фоном. Эти цветовые акценты искусно расставлены, как, например, божья коровка , пробирающаяся на цыпочках по мрамору, которая создает умный красный контрапункт среди синих нот. Этой картине присуще тихое, мистическое качество, переданное такими деталями, как шмель, тихо спрятавшийся за горшком.
Ян ван Хейсум (1682-1749)
Ян ван Хейсум (1682-1749)
""Стеклянная ваза с цветами ,маком и гнездом зяблика". Розы на переднем плане этой картины, изображенные на разных стадиях развития, и маковые анемоны разных оттенков, возможно, были выращены в собственном саду ван Хюйсума в Амстердаме, который был предоставлен цветоводами из близлежащего Харлема. Обратите внимание, как свет проходит через букет, создавая беспрецедентное ощущение пространства. Вдоль главной диагональной оси, идущей из нижнего левого угла в верхний правый, цветы демонстрируют тонкие различия цвета и текстуры с вариациями белого и розового цветов. Любовь Ван Хюйсума к своей работе прекрасно проявляется в оттенках зеленого на молодых и старых листьях, а также в прозрачных каплях воды, которые нарисованы на листьях. Точное изображение художником каждого экземпляра гарантирует, что даже мох в гнезде вьюрка можно идентифицировать.
Ян Давидс де Хем (1606-1684)
Ян Давидс де Хем (1606-1684)
"Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте". Около 1670 г. Самый знаменитый художник- натюрморт своего времени, де Хем внес ряд новшеств в искусство цветочной живописи. Здесь из его букета вырываются стебли и усики, добавляя композиции движения и динамичности. Цветы обращены в разные стороны и выходят из вазы, что резко контрастирует с более ранними, более статичными композициями , в которых все цветы были обращены к зрителю. В этой композиции де Хем подчеркивает округлость, от мраморного пьедестала и стеклянной вазы, отражающей окно студии, до пышных цветов и изогнутых стеблей хмеля и пшеницы. Этому эффекту способствуют даже формы улитки, шмеля и крестовика на краю плинтуса. Яркие цвета цветов искусно распределены. Красный цвет тюльпана и мака вверху справа, например, находит аналог в красной смородине внизу слева, а богатая охра подсолнуха вверху уравновешивается жимолостью и колосом пшеницы внизу справа.
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
"Концерт". Около 1626 г. Кажется, мы подобрались на расстояние соприкосновения с этой небольшой группой музыкантов, которые с удивлением поворачиваются к нам. Тщательно сфокусированный источник света создает резкие блики, интенсивные тени и ощущение драмы и интимности. Драматические световые эффекты, подобные этому, сейчас распространены, но в 1620-х годах это был революционный способ рисования. Человеком, ответственным за эту революцию, был Микеланджело Караваджо, работавший в Риме между 1597 и 1607 годами. Тер Брюгген был первым важным голландским художником, который вернул идеи Караваджо в Голландию, и эта композиция раскрывает его влияние другими способами. Поясные фигуры, сглаженные внутри композиции и заполняющие живописное пространство – вплоть до краев кадра, типичны для итальянского художника, как и четкость и реалистичность изображения винограда на переднем плане.
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
"Мужчина играющий на лютне". 1624 г. Картины одиноких музыкантов, написанные в пояс, были особой специализацией группы художников, базировавшейся в Утрехте в 1620-х годах. Они были известны как «голландские караваджисты», потому что жили и учились в Риме и находились под сильным влиянием характерного драматического стиля Караваджо и его последователей.
Ян Янс Трек (1605-1652)
Ян Янс Трек (1605-1652)
"Натюрморт с оловянным кувшином и двумя чашами Мин". 1651 г. Здесь Ян Янс Трек взял на себя задачу воссоздать блеск и искаженные отражения в серебре, олове, стекле, фарфоре и яичной скорлупе, а также сложные тени на скомканной льняной ткани. Это был очень ценный навык в голландской живописи натюрморта, и этот довольно красивый образец жанра имеет особенно спокойную эстетику. Общая цветовая гамма приглушенная, преобладают серые, зеленые и коричневые оттенки, выделяются только ярко-красные ягоды. На наш взгляд, выбор предметов также кажется довольно обыденным: это последствия еды, когда тарелки, блюда и кувшин временно отодвинуты в сторону вместе с выброшенной салфеткой. Но две бело-голубые тарелки — это не обычная домашняя посуда. Это очень дорогой китайский фарфор позднего периода Мин. Это были экзотические и очень желанные товары, а эта картина — торжество роскоши.
Франс Халс (1584-1666)
Франс Халс (1584-1666)
"Молодой человек с черепом". Около 1626-1628 гг. Это одна из самых захватывающих картин Хальса, а также выдающийся пример его смелой техники письма свободно и быстро, что отличало его от большинства художников того времени. Следов подкраски нет, местами просвечивает красноватый грунт. В некоторых местах краска наносилась мокрым по мокрому, смешивая некоторые цвета; другие смоделированы с очень грубой штриховкой. Эта картина не портрет. Череп – символ смертности, напоминание о краткости человеческой жизни. В Нидерландах изображения мальчиков, держащих черепа, уходят корнями в традицию, восходящую к началу шестнадцатого века.
Ян Янс Трек (1605-1652)
Ян Янс Трек (1605-1652)
Натюрморт Ванитас стиль". 1648 г. Сложная, но мрачная картина Трека представляет собой vanitas , тип натюрморта, который несет моральное послание. Натюрморт часто представляет в элегантной композиции дорогостоящие предметы, которыми зритель может любоваться и обсуждать, как, например, музыкальные инструменты, лаковая шкатулка, рейнский кувшин и платок, выполненный золотыми и серебряными нитями. Ванитас нарушает безмятежность , вводя предметы с символическим значением: жизнь коротка, а роскошь и жадность – ношение гламурных одежд, распитие вина и курение – ничего не стоят перед лицом неминуемой смерти. На картине Трека это череп, перевернутые песочные часы, соломинка для выдувания пузырей, которые лопнут и исчезнут, и использованная трубка, рядом с которой еще тлеют угольки. Тем не менее, хотя картина напоминает нам о тщеславии всех человеческих усилий, она также подчеркивает, что искусство — и живопись Трека — выживет.
Виллеи Калф (1619-1693)
Виллеи Калф (1619-1693)
"Натюрморт с рогом". Около 1653 г. Этот натюрморт — один из самых популярных жанров в Голландии семнадцатого века — воспевает трудности изображения игры света на различных поверхностях и текстурах. Посмотрите на тонкие блики на переплетении турецкого ковра, блеск и блеск серебра и стекла, влажную мякоть лимона и восковую текстуру его кожуры. Выбранные предметы также напоминают о роскошном образе жизни. Омар был роскошным блюдом, а лимоны были редкими и дорогими, как и тонкое стекло, восточный ковер и серебряная посуда. Вероятно, он был заказан членом или членами Гильдии лучников Святого Себастьяна в Амстердаме. Основание серебряной подставки, на которой держится рог для питья, изображает мученичество святого Себастьяна — он был связан и прострелен стрелами, а на опоре под столом вырезана фигура римского бога Купидона, известного своими стрелами любви.
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
"Иаков упрекает Лавана". 1627 г. Двое мужчин, один старый, другой молодой, с поднятыми руками и указующими пальцами, кажется, спорят. Нам показывают ключевой момент истории, но, поскольку у картины нет сохранившегося названия, мы должны сделать обоснованное предположение о том, что это такое. Наиболее вероятным кандидатом является описание брака Иакова в Ветхом Завете. Иаков влюбился в свою кузину Рахиль. Чтобы заработать ее руку в браке, он согласился работать пастухом у ее отца, Лавана, в течение семи лет. Но когда время истекло, Лаван заменил Рахиль своей старшей дочерью Лией. Иаков был горько разочарован обманом, но согласился работать еще семь лет, чтобы жениться и на Рахили. Итак, здесь мы видим наставление Иакова Лавану на следующее утро после свадьбы, с Лией в голубом и Рахилью на заднем плане.
Джудит Лейстер (1609-1660)
Джудит Лейстер (1609-1660)
"Мальчик и девочка с кошкой и угрем". Около 1635 г. «Тот, кто играет с кошками, тот царапается» — другими словами, тот, кто ищет неприятностей, получит их. Это старый голландский девиз, который, по-видимому, является возможным источником для веселой картины Джудит Лейстер, и было высказано предположение, что картина была задумана как восхитительное развлечение и предупреждение. В других голландских моральных картинах того времени ожидалось, что маленькая девочка подаст хороший пример; у этой есть старший брат, чтобы сбить ее с пути. В глазах у нее злобный огонек, а пальцы ее руки обвивают кошачий хвост, готовый его дернуть. Лейстер уловила полувиновное, полубесстыдное выражение лица мальчика, когда он дразнит кошку — кажется, он проверяет, как далеко он может зайти.
Адриан Брауэр (1605-1638)
Адриан Брауэр (1605-1638)
"Сцена в таверне". Около 1635 г. Мы находимся в грязной таверне с небольшой толпой пьяниц и курильщиков, сидящих на корточках на низких деревянных табуретах и ​​стульях. В центре их внимания — и нашего — драка, происходящая между мужчиной и молодой женщиной в левой части картины. Изображение на редкость непристойное. Мужчина в расстегнутых спереди брюках раздвигает коленом ноги женщины и засовывает руку ей под юбку. Она сопротивляется, пытаясь оттолкнуть его руку и решительной хваткой дергая его за волосы. Резкий крик боли, исказивший его лицо, привлек внимание его товарищей по выпивке. Наблюдаем ли мы, как проститутка отбивается от пьяного клиента, сексуальное насилие над барменшей или просто наблюдаем за размолвкой любовников, не раскрывается.
Франс Халс (1584-1666)
Франс Халс (1584-1666)
"Портрет Жана де ла Шамбра в возрасте 33 лет". Держа в правой руке перо, человек на этом портрете повернул к нам голову, создавая ощущение, что мы только что прервали его работу. Он бросает на нас вопросительный взгляд, как будто ждет объяснения прерывания. Жан де ла Шамбр (1605/6–1668), выдающийся каллиграф и мастер французской школы в Харлеме. По сравнению с амбициозными крупномасштабными портретами представителей правящего класса, которыми известен Франс Хальс, это относительно скромная, но тем не менее мощная работа. Он был нарисован как модель для гравюры, выполненной харлемским гравером Йонасом Зайдерхофом. Гравюра использовалась в качестве обложки для книги, опубликованной Жаном де ла Шамбром в том же году, которая содержала шесть гравированных пластин с примерами его каллиграфии.
Питер Ластман (1583-1633)
Питер Ластман (1583-1633)
"Юнона открывает Юпитер с Ио". 1618 г. Истории о злодеяниях греческих и римских богов были популярными сюжетами для картин в семнадцатом веке. Питер Ластман был в Риме и видел новаторские картины Караваджо и его последователей. Он использует их использование светотени — драматическое использование света и тени — и выразительное движение, чтобы рассказать об этом моменте открытия в истории Ио, взятой из « Метаморфоз» Овидия . Юпитер, глава римских богов, соблазнил Ио, молодую человеческую женщину. Прерванный Юноной, его женой, он поспешно превратил Ио в корову. Ластман показывает, как Юпитер смотрит испуганными глазами на разъяренную Юнону, которую сопровождают павлины, являющиеся ее атрибутом. Две фигуры стягивают бордовую ткань с головы трансформированной Ио. Один из них — Купидон, мальчик-бог любви с луком у ног. Другой - аллегория Обмана, в соответствующей маске.
Иоахим Втеваль (1566-1638)
Иоахим Втеваль (1566-1638)
"Суд Париса". 1615 г. Роскошная картина Втеваля, наполненная мягкими, тонкими красками, изображает предвестник мифологической Троянской войны. Юпитер, правитель богов, послал Эриду (олицетворение раздора), чтобы спровоцировать спор о том, какая богиня красивее: Минерва, богиня войны, с ее шлемом и копьем; Юнона, жена Юпитера, ее павлин на деревьях; или Венера, богиня любви, с жемчугом в волосах. Пастух Парис, на самом деле троянский принц, был избран судьей; он протягивает Венере золотое яблоко с надписью «Прекраснейшей». Венера предложила ему Елену, жену царя Менелая Спарты и самую красивую женщину в мире, в качестве взятки, посеяв семена войны. Но на данный момент стадо Пэрис и его собака лежат посреди мира и изобилия - мех прижимается к плоти, шелк к лепесткам и сочные раковины среди перьевых трав.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
""Пир Валтасара". Около 1636-1638 гг. В своей большой драматической картине Рембрандт рассказывает историю из Ветхого Завета (Даниил 5:1–5, 25–8). Человек в золотом плаще, огромном тюрбане и крошечной короне — это Валтасар, царь Вавилона. Его отец украл у Иерусалимского храма все его священные сосуды. Использовать их для подачи еды на пиру, как это делает здесь Валтасар, считалось святотатством. Посреди вечеринки раздался предупредительный удар грома. Божья рука появилась из облака и написала еврейским шрифтом: «Ты взвешен на весах и найден очень легким». Через несколько часов Валтасар был мертв. В Амстердаме церкви были простыми, но у людей дома были картины, некоторые из них религиозные. Воодушевленные чтением Библии, они были бы знакомы с судьбой Валтасара и с предостерегающей вестью истории о нечестивом царе, за которым наблюдали небесные глаза – как пронзительные глаза.
Фердинанд Бол (1616-1680)
Фердинанд Бол (1616-1680)
"Астроном". 1652 г. Картина аккуратно делится посередине. С левой стороны у нас есть книги и глобусы, которые тогда считались ключевыми хранилищами знаний. А справа мир мыслей и размышлений, представленный натурщиком, который принимает классическую позу мыслителя: рука на подбородке, глаза явно расфокусированы, взгляд слегка вверх, в какое-то среднее расстояние. Оригинальное название картины не записано, но она известна как «Астроном », потому что на ближайшем из двух глобусов изображена карта звезд и их созвездий. Некоторые историки искусства предположили, что это может быть автопортрет, но натурщик не похож на другие изображения, которые, как считается, принадлежат Болу. Скорее всего, это идеализированное изображение астронома как ученого и мыслителя — в голландском искусстве того времени есть множество других примеров.
Авраам Блумарт (1566-1651)
Авраам Блумарт (1566-1651)
"Лот с дочерьми". 1624 г.
Иоахим Втеваль (1566-1638)
Иоахим Втеваль (1566-1638)
"Воскрешение Лазаря". Около 1605-1610 гг. Согласно Новому Завету (Иоанна 11), Лазарь был мертв уже четыре дня, когда Иисус посетил его могилу и чудесным образом вернул его к жизни. Драма воскрешения Лазаря дала Втеваэлю возможность изобразить взволнованные фигуры в скрюченных позах, используя динамичные жесты рук. Недавняя реставрация этой картины в Национальной галерее принесла много интригующих открытий. Картина послужила образцом для нескольких копий, сделанных Втевалем и его мастерской. Втеваль, кажется, вернулся к картине позже и внес ряд изменений, таких как увеличение размера корзины на переднем плане и изменение цвета некоторых предметов одежды для эстетического эффекта.
Николас Маес (1634-1693)
Николас Маес (1634-1693)
"Христос благословляет детей". Около 1652-1653 г. Николас Маес превратил библейский момент в сцену из своего времени, иллюстрируя часть Евангелия от Матфея (19:13–14): «Тогда привели к нему детей, чтобы он возложил на них руки и помолился: и укоряли их ученики. Но Иисус сказал: пустите детей и не препятствуйте им приходить ко Мне, ибо таковых есть Царство Небесное. Эти слова были знакомы в протестантской Голландии семнадцатого века, где благочестивое воспитание детей имело большое значение. Хотя Христос одет в «библейское» одеяние, остальные фигуры одеты в одежду рабочих того времени. Мэйс использовала сильный контраст между светлым и темным, а темные цвета оживлялись оттенком красного, особенно ярко на щеках маленькой девочки, которую благословляет Христос. Этим приемам он научился, будучи студентом в мастерской Рембрандта.
Хендрик Гольциус (1558-1617)
Хендрик Гольциус (1558-1617)
"Юпитер и Антиопа". 1612 г. Когда он начал рисовать около 1600 года, Хендрик Гольциус уже был самым известным гравером в Нидерландах и, возможно, во всей Европе. На этом откровенно чувственном произведении изображен бог Юпитер , переодетый сатиром, соблазняющий красавицу Антиопу. Она спит, растянувшись среди роскошных подушек, а развратный бог бесшумно подкрадывается к ее кровати. Яркие цвета и смелые скульптурные формы усиливают драматизм сцены.
Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)
Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)
"Святой Себастьян". Около 1623 г. Четыре кровавые стрелы пронзают, казалось бы, безжизненное тело Святого Себастьяна. Один проткнул ему ногу, и кажется, что из ее кончика в наше пространство вливается струйка крови. Святой был римским центурионом, принявшим христианство, и в наказание римский император Диоклетиан приказал однополчанам Себастьяна привязать его к столбу и расстрелять стрелами. Хонтхорст, должно быть, видел много изображений мученичества святого в период своей работы в Риме, но, вероятно, он написал эту работу через несколько лет после того, как вернулся в свой родной Утрехт в 1620 году.После чумы 1624 и 1626 годов Себастьяна почитали, как «чумного святого», который, как полагали, защищал от смертельной и очень заразной болезни.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Охота на львов". Около 1614-1615 гг. На группу мужчин, отправившихся на охоту на львов, охотятся сами львы. В этом коричневом монохромном наброске Рубенс — известный мастер живописи лошадей — мастерски изобразил движения вставших на дыбы лошадей и метающих копья, а также испуганные лица людей, пытающихся отбиться от нападающего льва. Лев кажется вдвойне разгневанным и отчаявшимся после убийства своей львицы, чье мертвое тело лежит пронзенным копьем справа. Охотники тоже потеряли одного из своих: под серой лошадью лежит, растянувшись, мертвец. Рубенс представил момент баланса и предвкушения перемен: кто победит, человек или зверь? Выживший лев превосходит численностью, и слабая фигура намекает на возможный исход. Этот человек приближается, его глаза устремлены на голову льва, его рука — и, возможно, оружие — поднята вверх.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Чудесный улов рыб". Около 1618-1619 гг. Согласно Евангелию от Луки (5:1–11), Христос однажды подошёл к двум рыбацким лодкам на Галилейском море. Сев на абордаж и проповедуя из него, он велел рыбакам закинуть сети. Хотя они работали всю ночь и ничего не поймали, рыбак согласился; когда они затянули сети обратно, они были почти разорваны от обильного улова. Пораженные этим чудом, рыбаки стали учениками Христа. Композиция этого эскиза основана на центральной панели триптиха, выполненного Рубенсом для Нотр-Дам-о-дел-де-ла-Диль, церкви Гильдии торговцев рыбой Мехелена. Эскиз был использован в качестве основы для гравюры Schelte à Bolswert, работавшей на Рубенса в Антверпене.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Суд Париса". Около 1633-1635 гг. Эрида, богиня раздора, была единственным бессмертным, не приглашенным на важную свадьбу. Разъяренная тем, что ее оставили в стороне, она бросила золотое яблоко с надписью «Прекраснейшей» среди всех богинь на пиру. На титул претендовали трое – Минерва, Юнона и Венера. Юпитер, глава богов, объявил, что судьей должен быть Парис. Молодой человек был воспитан пастухом, но на самом деле был принцем Трои. Именно этот момент выбора изобразил Рубенс: Парис вручает золотое яблоко Венере, богине красоты, в центре. Все богини обманули. Юнона предлагала Парису богатство и власть, Минерва — мудрость и силу. Венера обещала ему самую красивую женщину в мире, Елена Спартанская – неотразимый подарок. В облаках над их головами витает неумолимая Ярость, Алекто. В ревнивой ярости Юнона приказала ей уничтожить троянцев. Она заставила Париса похитить Елену, и началась знаменитая Троянская война.
Возможно,Антонис  Ван Дейк (1599-1641)
Возможно,Антонис Ван Дейк (1599-1641)
"Пьяный Силен приподдержке Сатиров". Около 1620 г. Эта шумная толпа мифических персонажей шумна и ведет себя плохо, но призвана вызвать у вас улыбку. Старик, потерявший одежду на пирушках, — это Силен — в римском мифе учитель и наставник Вакха, бога вина. В семнадцатом веке римские мифы были популярны как сюжеты для живописи. В частности, фламандские художники считали Силена олицетворением всего непристойного, буйного и смешного. Он сделал привлекательную тему, дав художникам возможность изобразить старика, обнаженного и пьяного – комичного, но местами тронутого пафосом. Картина поступила из мастерской Рубенса в Антверпене, и, похоже, это совместная работа нескольких молодых художников, работающих там. Но превосходная передача одутловатого, счастливого лица Силена, складок и выпуклостей его твердой, светящейся плоти убедительно свидетельствует о том, что они были написаны молодым Антонисом ван Дейком.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Минерва защищает Пакса от Марса ("Мир и война")." Около 1629-1630 гг. Эта картина была сделана для короля Англии Карла I и передана ему Рубенсом, действовавшим в качестве посланника Филиппа IV Испанского, в 1630 году. Две страны находились в состоянии войны в течение пяти лет, и обе стороны стремились к миру. Картина представляет собой аллегорию, фигуры представляют разные добродетели и другие абстрактные понятия, и в ней присутствует четкое моральное повествование. Среди ключевых фигур женщина в центре олицетворяет Пакс (Мир) и Цереру, богиню земли, и она делится своей щедростью с группой детей на переднем плане. Они представляют будущие поколения, но также являются портретами детей сэра Бальтазара Жербье, хозяина Рубенса. Сразу за Паксом Минерва, богиня мудрости, защищает группу от Марса, бога войны. Общий посыл ясен: отказ от войны и стремление к миру принесет процветание и изобилие. Миссия Рубенса принесла свои плоды: в ноябре 1630 года между Англией и Испанией был подписан мирный договор.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Автопротрет в 34 года". Это один из десятков автопортретов Рембрандта. Мы видим художника в уверенной позе – уверенного в себе, одетого в дорогие на вид меха и бархат, в шляпе, усыпанной драгоценностями. Но, хотя он голландец, живущий в 1640-х годах, Рембрандт одет в одежду джентльмена 1520-х годов, а его поза основана на картинах Дюрера, Тициана и Рафаэля того же времени. Итак, в качестве субъекта картины Рембрандт изображает себя джентльменом эпохи Возрождения, а как художник он одновременно отдает дань уважения и прямо сравнивает себя с самыми известными художниками того времени. Значение этого двойного эха наверняка было бы понятно искушенной клиентуре Рембрандта. Принимая позу и одежду джентльмена, он претендовал на гораздо более высокий социальный статус, чем обычно предоставлялся художникам того времени. И, цитируя работы трех величайших художников эпохи Возрождения, он подразумевает, что он равен им.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Портрет Эче Класдр". 1634 г. Оптическая иллюзия, созданная этой картиной, очень мощная. Рембрандт использовал контрасты между светом и тьмой — например, черный и белый цвета одежды натурщицы, блики на ее носу и тяжелую тень под ее подбородком — для создания очень убедительного трехмерного эффекта. Голова пожилой женщины, кажется, выступает за пределы картины. Не только световые эффекты делают этот портрет таким реалистичным. Рембрандт изобразил пятнистую, испорченную и дряблую кожу пожилой женщины, используя краску разной текстуры и толщины. Борозды и тени, морщины и пухлость делают ее лицо почти осязаемым. Он делал это живой кистью, плавно нанося краску короткими и изогнутыми мазками, а также мазками и точками. Долгое время считавшееся портретом бабушки Рембрандта, натурщица теперь идентифицирована, как Эче Класдр (1551–ок. 1635), вдова роттердамского пивовара Яна Пессера, умершего в 1619 году.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Портрет Филипса Лукаша". 1635 г. Когда был сделан этот портрет, Филипсу Лукашу было за тридцать, и он был важным чиновником голландской Ост-Индской компании. Он руководил флотом компании, который отплыл домой из Ост-Индии в декабре 1633 года и должен был снова покинуть Голландию 2 мая 1635 года, вскоре после того, как эта картина была закончена.
Ученик Рембрандта
Ученик Рембрандта
"Поклонение пастухов". 1646 г. Вспышка яркого света освещает новорожденного Христа, за которым наблюдают Мария, Иосиф и собрание молящихся и зевак. Источник света скрыт, поэтому кажется, что он исходит прямо от спящего ребенка, освещая лица всех вокруг. Сцена представляет собой эпизод из Библии, когда пастухи пришли отдать дань уважения Мессии. Один становится на колени, удивленно воздев руки. Другой вырисовывается на фоне света, а третий благоговейно стоит в стороне. Наряду с животными на заднем плане это был традиционный состав «Поклонения пастухов». Но художник добавил другие фигуры, в том числе двух женщин, держащих маленького ребенка, чтобы придать сцене более неформальную атмосферу. Тесно связанная версия «Поклонения», которая, как известно, принадлежит Рембрандту, находится в Старой пинакотеке в Мюнхене. Анализ показывает, что вполне вероятно, что лондонская картина — это исследование, вдохновленное мюнхенской картиной, сделанное высококвалифицированным учеником.
Последователь Рембрандта
Последователь Рембрандта
"Мужчина,сидящий и читающий за столом в высокой комнате". Около 1628-1630 гг. На этой атмосферной картине изображена одинокая фигура, сидящая перед огромным томом, открытым на столе перед ним. Яркий солнечный свет заливает полумрак на стену комнаты. Большая часть силы изображения заключается не только в драматическом напряжении между светом и тьмой, но и в том, как художник использовал густую белую краску и серые детали, чтобы запечатлеть преломление и отражение света оконным стеклом. В глубоких тенях за этими бликами мы можем разглядеть полки с книгами и два глобуса, закрепленные на стене над ними. Это библиотека, поэтому человек за столом должен быть ученым. Но, несмотря на то, что это очень вызывающее воспоминания, эта картина также оказалась спорной. Когда она была куплена Национальной галереей в 1917 году, она считалась важным ранним произведением Рембрандта. Недавний анализ предполагает, что это мог быть неизвестный современник, который был знаком с работами Рембрандта.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Анна и слепой Товит". Около 1630 г. Холодный, серый свет проникает через открытое окно в комнату, которая сама по себе очень старая — в окне нет стекла, тяжелая деревянная ставня, открытый огонь, а рядом глиняный котел. Свет падает на старика. Он сидит лицом к комнате, сцепив руки, опустив голову, его лицо почти потеряно в тени. Это Товит; он сидит рядом со своей женой Анной, которая наматывает шерсть на раму. Апокрифическая история говорит нам, что Товит был хорошим и святым человеком, но Бог сделал его слепым, чтобы испытать его веру. Пожилая пара ждет возвращения своего сына Тобиаса, который ушел забрать деньги, причитающиеся Товиту, чтобы облегчить их бедность. После многих приключений Тобиас возвращается, принося чудесное лекарство от слепоты Товита. Вместо чуда Рембрандт решил прославить возраст, терпение и веру старика и женщины, пока они ждут.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Ecce homo". 1634 г. «Ecce Homo», латинское название этой картины, взято из Библии и означает «Вот человек!» Это были слова Понтия Пилата, римского правителя Иудеи, когда он сидел судьей во время суда над Христом. Пилат, изображенный здесь в чалме и поднимающийся на ноги, представляет Христа толпе. Картина передает лихорадочную атмосферу этого показательного процесса, в ней преобладают образы земной власти. Христос стоит немного выше своих похитителей – он единственная фигура, смотрящая вверх, к «истинному» судье, Богу. Эта небольшая черно-белая картина (известная как гризайль) не предназначалась для продажи. Это полноценный подготовительный этюд к одному из офортов Рембрандта – единственный известный пример такой работы. Рембрандт был плодовитым гравером, и его студия выпустила сотни изображений для продажи. Это был один из его самых популярных.
Карел Фабрициус (1622-1654)
Карел Фабрициус (1622-1654)
"Молодой человек в меховой шапке". 1654 г.Этот портрет — одна из последних работ Карела Фабрициуса, сделанная в последний год его короткой жизни. Он был учеником Рембрандта между 1641 и 1643 годами и обычно считается одним из его самых талантливых учеников. Хотя в этом нельзя быть уверенным — документально подтвержденного изображения Фабрициуса не существует — это почти наверняка автопортрет. Интенсивность взгляда и поза напоминают серию более ранних автопортретов, сделанных Рембрандтом и другими его учениками. Костюм, который он носит, включая солдатский нагрудник, также соответствует этой традиции: Рембрандт, например, изобразил себя солдатом в 1630-х годах. Тот факт, что это был автопортрет, вероятно, в то время не считался важным. Изображения типов личности или персонажей разных профессий, известные как трони , были популярны, и художники использовали себя в качестве моделей для рисования.
Вероятно Рембрандт (1606-1669)
Вероятно Рембрандт (1606-1669)
" Портрет Маргарет де Гир, жены Джейкоба Трипа".1661 г. Маргарета де Гир была замужем за Джейкобом Трипом — очень богатым торговцем. Торговал оружием — почти 60 лет. Рембрандт нарисовал крупномасштабные изображения каждого из них, которые изначально были предназначены для того, чтобы висеть вместе. Оба портрета сейчас находятся в Национальной галерее. Этот портрет Маргарет меньшего размера был написан примерно в то же время, в 1661 году. Он датирован и подписан «Рембрандт», но технический анализ и некоторые различия между тем, как написаны этот и больший портреты, вызвали вопросы об авторстве. Хотя это убедительное подобие, нарисованное с большим мастерством, подпись не является подлинной, и это заставило некоторых подумать, что это может быть современная или немного более поздняя версия оригинала Рембрандта. Но картина настолько качественная, что и это не является удовлетворительным решением проблемы.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
""Автопортрет в возрасте 63-х лет". 1669 г. Это один из трех автопортретов, сделанных Рембрандтом незадолго до своей смерти в 1669 году. Из его 40-летней карьеры сохранилось около 80, намного больше, чем у любого другого художника того времени. Он рисовал их по разным причинам — чтобы отрабатывать разные выражения, экспериментировать со световыми эффектами, а также продавать богатым меценатам и коллекционерам. В этом Рембрандт занят изображением текстуры и цвета своего собственного стареющего лица. Провисшая складка под его правым глазом сделана вихрем сильно нагруженной кисти. Пятна на его лбу состоят из пятен засохшей краски. Многие более поздние писатели и художники интерпретировали это как сильную, непоколебимую, экзистенциальную честность: Рембрандт смирился с приближением смерти. Но в семнадцатом веке у людей были другие представления о самоанализе и о том, как работает разум, чем у нас сейчас. Мотивы Рембрандта, возможно, были более прямолинейными - они были вызваны не столько самокопанием, сколько профессиональным увлечением вызовами своего искусства.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
Задумчивы Святой Павел". Около 1659 г. «Задумчивый Святой Павел» Рембрандта принадлежит к серии поясных картин религиозных деятелей, написанных художником в конце 1650-х — начале 1660-х годов. Мрачная картина лишена лишних деталей, но традиционные атрибуты святого почти видны: перед ним на столе лежит раскрытая книга, а позади него к стене прислонен меч. Медальон в верхнем левом углу изображает ангела, прерывающего Авраама, который собирается принести в жертву своего сына Исаака по приказу Бога. Этот важный эпизод Ветхого Завета был одобрен Рембрандтом, который нарисовал и выгравировал его, прежде чем включить сюда. Для святого Павла жертва была примером веры в Бога. В протестантском богословии святой Павел считался самым авторитетным толкователем Евангелия — возможная причина увлечения Рембрандта апостолом.
Рембрандт (1606-1669)
Рембрандт (1606-1669)
"Женщина,купающаяся в ручье (Хендрикье Стоффелс)". 1654 г. На картине Рембрандта, уникальной для него нежной интимностью, изображена молодая женщина почти по колено в ручье. Она поднимает рубашку и смотрит вниз с легкой улыбкой удовольствия на прохладную воду, плещущуюся о ее крепкие ноги. Хотя это не точно, этой женщиной может быть Хендрикье Стоффельс, которая пришла в дом Рембрандта, чтобы присматривать за его маленьким сыном после смерти его первой жены Саскии. Хендрикье и Рембрандт стали любовниками, но не смогли пожениться. В год написания этой картины Хендрикье подверглась публичному унижению из-за того, что была беременна вне брака. Возможно, картина была данью уважения ее силе и верности. Было высказано предположение, что картина представляет собой этюд библейской героини на гораздо большей картине, но простой рубашки, которую носит женщина, достаточно, чтобы вызвать сомнение: такая героиня была бы богато одета или обнажена. Наиболее вероятно, что Рембрандт знал и любил эту тихую, нежно поглощенную женщину и разделял ее восторг в момент беззащитного наслаждения в каком-то анонимном голландском ручье.
Вероятно Рембрандт (1606-1669)
Вероятно Рембрандт (1606-1669)
"Старик в кресле". 1650 г.На некоторых из самых ярких картин Рембрандта изображены мужчины и женщины, погруженные в размышления, изображенные смелой кистью и драматическими световыми эффектами. Сгорбившись боком на стуле, держась одной рукой за деревянный подлокотник, а другой слегка опираясь на висок, этот пожилой мужчина находится именно в таком настроении. Его глаза устремлены в пол, и свет, падающий на его тело из-за левого плеча, отбрасывает их в глубокую тень. Это не портрет, а исследование «типа характера», и Рембрандт использовал его для экспериментов с наводящим на размышления, иногда довольно грубым стилем живописи. Блики на левом рукаве, например, изображены всего полдюжиной очень широких мазков. Это вызвало сомнения в его подлинности, но теперь считается, что этот в высшей степени новаторский подход представляет собой важный экспериментальный шаг в развитии Рембрандта к грубой манере его более поздних работ.
Джейкоб ван Ост-Старший (1601-1671)
Джейкоб ван Ост-Старший (1601-1671)
"Портрет мальчика 11 лет". 1650 г. Серьезный мальчик на этом портрете отворачивается от нас и смотрит вдаль. Художник подписал картину, но не назвал натурщика. Указан только его возраст, 11 лет, и дата 1660 г. Мальчик бледен, но глубокий коричневый фон, теплый оттенок и нежная фактура его меховой муфты и облако перьев в шапке делают картину не суровой. Якоб ван Ост Старший был одним из ведущих художников Брюгге семнадцатого века, и его чувственные портреты пользовались большим спросом. Он посетил Рим в начале своей карьеры и находился под влиянием использования Караваджо светотени (сильно контрастирующего света и тени).
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Водопой". Около 1615-1622 гг. Молодая доярка с медным кувшином на голове и ведром в руке ведет стадо коров на дойку. Восходящее солнце отражается в луже и проникает сквозь деревья, чтобы поймать гладкие белые шкуры некоторых коров. Это идиллическая деревенская сцена, но в ней есть энергия: люди работают, животные двигаются. Во Фландрии семнадцатого века пейзаж стал восприниматься как отдельный жанр, а не как простой фон для повествовательных картин или портретов. В частности, для Рубенса это стало способом прославить фламандскую сельскую местность, которую он любил. Но в Англии пейзажной живописи все еще пренебрегали даже в восемнадцатом веке, пока такие художники, как Ричард Уилсон и Томас Гейнсборо, не обратили на нее внимание. Последний увидел Водопой в Лондоне в 1768 году и написал пейзаж, вдохновленный им, в честь Рубенса.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Повозка,переезжающая ручей". Одинокий возница ведет своих лошадей и повозку вниз по крутому берегу в нечто похожее на глубокий брод. Это идиллическая сцена, напоминающая дневной свет, просачивающийся сквозь лес, и сюжет типичен для всплеска интереса Рубенса к пейзажной живописи в последние пять лет его жизни. Скорее всего, это были не платные комиссионные, а сделанные в основном для его собственного удовольствия, когда он проводил больше времени в загородном доме, который купил в 1635 году. Сельская местность, окружающая поместье, стала новым источником вдохновения: он написал около 20 пейзажей, некоторые из которых монументальный размер. Повозка, переходящая вброд ручей , намного меньше и незакончена — вы можете сказать это по линиям, нарисованным черным мелом, и по тому, как листва большинства деревьев еще не заполнена. Похоже, это полноразмерный подготовительный набросок для Вечерний пейзаж с фургоном (сейчас в Музее Бойманса ван Бёнингена, Роттердам).
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640)
"Вид на Хет Стен ранним утром". После 1636 г. Прохладным осенним утром восходящее солнце бросает прохладный свет на усадьбу. Тени длинные, а на траве лугов есть намек на росу. Окна господского дома и извилистый ручей мерцают, а немногочисленные перистые облака отливают золотом. Мы высоко наверху, так что вид расплывается перед нами, позволяя нам выделить каждый инцидент в целом: мужчина, стреляющий в куропаток, пара, идущая на рынок, и хозяин и хозяйка поместья, соседняя няня, баюкающая их малыш. Питер Пауль Рубенс работал дипломатом, а также художником, и был облагорожен как в Испании Филиппом IV, так и в Англии Карлом I. Его статус и богатство позволили ему приобрести поместье Хет Стен, недалеко от Малина (ныне известное как Мехелен), в 1635 году. В этом пейзаже он прославляет то, что он ценил больше всего: возможно, собственный успех, а также процветание и мир во Фландрии, его родной земле.
Хендрик Аверкамп (1585-1634)
Хендрик Аверкамп (1585-1634)
"Сцена на льду недалеко от города". Около 1615 г. В семнадцатом веке Малый ледниковый период распространился по Северной Европе. Реки и каналы в Голландии замерзли, и люди вышли на лед для работы, отдыха и несчастных случаев. Хендрик Аверкамп, только начавший карьеру художника, тоже увлекся этим. Делом его жизни стало изображение зимних сцен, полных происшествий, с людьми, которых он знал и с которыми вырос, в качестве своих персонажей. Под серым светом зимнего дня они продолжали свою жизнь почти без изменений — вели дела, сплетничали, занимались детьми, веселились, — но разгонялись на коньках. Картина Аверкампа достойна изучения. Любопытный глаз может открыть для себя бесконечные истории и зарисовки персонажей: мужчина, задирающий юбки девушки, которая упала; люди, играющие в колф, предшественника гольфа; старик на стуле, предположительно олицетворяющий зиму. На всем этом изображен флаг новой независимой Голландской республики, к которому голландский владелец картины относится с гордостью.

Теги: Культурно-познавательный туризм, Самостоятельные путешествия

Полезные ссылки:

✔️ Кэшбэк 4% при бронировании на Ostrovok.ru. Более 3000 отзывов.

✔️ Кэшбэк 2% при бронировании ЖД-Билетов на Яндекс.Путешествия.

✔️ Кэшбэк 4% при бронировании квартир, отелей на Tvil.ru.

✔️ Кэшбэк 4% при бронировании Авто на Localrent. Автомобили от локальных прокатных контор на популярных курорта: Турция, Крым, Сочи, Грузия, ОАЭ, Армения и многие другие. Принимают карты МИР.

✔️ Русские гиды и экскурсии по всему миру. Трансферы, услуги фотографов и многое другое.

✔️ Дешевые авиабилеты? Конечно Aviasales.

Комментарии к альбому